声乐艺术鉴赏论文范文（17篇）
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当代艺术作品鉴赏论文
：当今《舞蹈鉴赏》课程作为普通高校公共艺术选修课程中的一部分，以它独特的艺术特点、教育形式，改变了以往众多舞蹈艺术选修课程中只是单纯的技术技能训练或舞蹈成品学习，弥补了高职高专非艺术专业学生一直以来对舞蹈艺术认知领域的缺失。如何上好这门课，使这门课深受学生喜欢，并能通过学习提高学生审美修养和自我综合素质，需要不断探索、研究、优化发展。
在当今教育改革与发展的主流方向中，素质教育当之无愧成为了全面提高国民素质的时代标志。而在众多的素质教育学科中，舞蹈艺术教育作为人类最早的文化教育活动之一，千百年来一直以“润物细无声”的方式传播着舞蹈艺术，娱悦着人们的身心，同时提升人类情感文明，丰富人类的审美体验，促进着社会的进步和发展。因此，舞蹈艺术教育作为美育媒介中最佳的教育内容和形式，在普通高校中面向非艺术专业学生开设，借助舞蹈艺术作品这个媒介，塑造他们的情感，培养他们的团队意识、集体主义精神以及提高学生审美修养和自我综合素质，不仅符合学生身心发育的实际需求，而且符合新的时代下的通才教育观。
（一）课程设置、教学内容。
在各高职院校的教学管理要求中，舞蹈公选课作为公共选修课程之一，开设的与舞蹈艺术课程有关的有《舞蹈》《形体与舞蹈》《舞蹈基础》《音乐舞蹈欣赏》《舞蹈团实训》以及体育舞蹈中的《拉丁舞》《健美操》《交谊舞》等等，并由专业的音乐舞蹈和体育老师授课。在进行这些课程的教学设置时，大多参照专业的教学内容来进行教学，过于细致分类，出现单纯的技能训练或成品舞蹈学习，没能对学生进行全面的综合性的舞蹈艺术教育。
（二）教学对象。
高职高专非艺术专业学生大多来自农村、乡镇，从普通高中、职中考学而来，大多数学生从未真正意义上接触过音乐舞蹈方面的艺术教育，对这个领域的知识是知之甚少的。在他们的印象中，学习舞蹈就是穿着练功服、舞蹈鞋，在一间大大的教室（操场、体育馆）里，老师教学生学，学会动作能跳下来就会舞蹈了。但他们并没有从舞蹈的理论知识方面去真正了解所学舞蹈的动作内涵特点，更谈不上领会舞蹈作品所要表达的情感，也没有从中获得审美感知。因此，有必要针对这部分学生特点，在课程选定和设置教学内容的安排上有所侧重，从而达到开设艺术课程的目标。
《舞蹈鉴赏》课程作为众多舞蹈艺术选修课程中的一部分，已成为当今高校非艺术专业学生喜欢的一门课。这门课程与其他舞蹈艺术课程不一样，它不是单纯的学习舞蹈技能的课程，而是一门综合性较强的课程，是欣赏者接触舞蹈艺术作品时所产生的一种审美活动。让学生通过学习和大量鉴赏舞蹈艺术作品，有助于进一步发展他们对周围世界的理解判断和欣赏能力，是弥补高职高专非艺术类学生对舞蹈知识匮乏的有效途径，也是沟通大学生与舞蹈艺术的桥梁，是其他学科不能替代的。
《舞蹈鉴赏》课程在传统的教学模式中，往往都是教师在讲台讲，学生在座位上被动的看和听，那么这堂鉴赏课就成为了灌输式的授课方式，久而久之就会成为枯燥无味的课堂，这样，学生就失去了学习的兴趣，在课堂上与教师的互动就会减弱，调动不起学生的学习兴趣，最后导致教师上起课来也越来越没有信心。因此，想要调动起学生学习兴趣，根据学生专业特点，选择学生喜欢的、容易接受的舞蹈艺术作品，充分发挥学生在舞蹈鉴赏教学中的主体作用，主动地参与到审美活动中，有必要对《舞蹈鉴赏》课程的教学内容进行优化改革发展，使学生学习的主动性得以突出。
（一）教学目标的确定。
对于选择选修《舞蹈鉴赏》课程的学生而言，他们往往是带着兴趣、求知的心态而来，抱着“轻松解乏、娱乐至上”的心情走进教室的，对授课教师专业水平抱着较高要求，对学习收获也期待甚多。但是，当发现鉴赏课与自己想像中的舞蹈教学方式不一样时，往往有些失落，甚至失去学习兴趣。因此，教师在制定教学目标时，要考虑这些因素，应采用积极引导的原则，让学生通过直观，运用想象和感性去学习，同时也需要理性和思辨共存，达到尽可能良好的教学成效。
（二）教学内容的确定，注重理论与实践相结合，提升舞蹈鉴赏能力。
舞蹈鉴赏课传统的教学过程中，教师往往都是选择经典的舞蹈艺术作品，边给学生看边介绍作品背景、内容及内涵精神，对教学生“怎么看、看什么，怎么学、学什么”这部分内容讲得太少，如何让学生能带着问题去思考、去鉴赏舞蹈作品，这也是值得教师去思考钻研的。1.注重舞蹈理论知识的学习对于从未接触、了解过音乐舞蹈学习的非艺术类学生来说，上课伊始，应先简明扼要地学习舞蹈艺术的基本概述，通过引导他们了解舞蹈艺术的特征、种类、表现手法、表现形式、动作美学规范等，并结合作品案例慢慢渗透舞蹈艺术鉴赏的一般常识及其鉴赏方法，使学生的欣赏思路始终沿着教师指出的方向前进，使其初步具备相应的舞蹈艺术审美知识。2.强调视听觉感受，主动参与体验“看”是舞蹈鉴赏的基础。为了进一步提高学生舞蹈鉴赏能力，引导学生用眼看、用心看、用耳听，教师多选择具有代表性的作品对学生加以讲解—感受—体验—评价，并非让学生只是单纯地欣赏舞蹈演员的服装有多漂亮、舞蹈动作有多整齐、舞蹈演员的技术技巧有高超……而是在不知不觉中给学生讲解编导的创作思想、舞蹈作品的表现手法，并尝试性地亲身“参与”到舞蹈中去，自然而然产生评价的愿望，从中获取审美的享受过程。比如，在讲到舞蹈的表现形式中的模拟象形时，让学生观看熟悉的傣族舞蹈家杨丽萍自编自演的独舞作品《雀之灵》，并介绍舞蹈家是通过自身肢体语言（特别是手臂动作）对孔雀形态的模仿，将一只活生生的孔雀惟妙惟肖地呈现在舞台上，并在音乐、舞美灯光的衬托下，塑造了灵气四溢、晶莹剔透的孔雀形象，展示其生命的激情。另外可以给学生观看中央民族歌舞团表演的舞蹈作品《碧波孔雀》，将它与《雀之灵》对比，发现虽然都取材于傣族的孔雀舞，但在舞蹈的风格、动作的语汇编排和舞蹈的表现手法和背景音乐选取、编配上都存在着差异，带给学生视听觉上的冲击。在基本了解作品之后，可以尝试着让学生参与学习傣族孔雀舞蹈动作。从最简单的基本手型、基本动作学起，由简到难，再配合适当的音乐，和着节奏，随着音乐节奏的变化，亲身体验孔雀舞的舞蹈风格、律动，进一步体会舞蹈艺术的魅力。3.开拓艺术思维，积极主动欣赏优秀舞蹈作品，提高舞蹈艺术鉴赏能力舞蹈是一门综合性艺术，与文学、诗歌、音乐、美术、戏剧、杂技等关系密切。鼓励、帮助学生在进行优秀舞蹈作品或舞剧欣赏时，要学会根据舞蹈作品中的动作、姿态、技巧、表情、构图、情节去体会不同特点、不同风格的舞蹈艺术美，在音乐、舞美的渲染哄托下展开联想和想象，使自己的情感与舞蹈情感发生碰撞，领略舞蹈的氛围和意境。
（三）有效推动舞蹈艺术课程的优化发展，提升校园文化建设。
《舞蹈鉴赏》课程，改变了以往众多舞蹈艺术选修课程中只是单纯的技术技能训练或舞蹈成品学习，弥补了高职高专非艺术来学生一直以来对舞蹈艺术认知领域的缺失。通过课程的开设和学生学习后的反馈，发现对提升学生个体舞蹈方面素养、审美能力和创作能力及社团活动的高质量开展、集体合作提高校园艺术文化活动方面取得了重要的成效。总之，舞蹈艺术鉴赏是舞蹈艺术教育中重要的组成部分，《舞蹈鉴赏》课程也是当前高校公共艺术选修课程中缺一不可的课程之一，采取制定可行有效的教学方式，以其自身独特的艺术教育魅力，坚持“以教师为主导，以学生为主体”，推进“师生互动，教学相长”的原则，影响着学生的身心发展，提高学生舞蹈认知能力、鉴赏能力、审美能力及“真善美”辩别能力，从而促进校园文化建设沿着和谐有序的轨道健康发展。
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[2]袁禾。大学舞蹈鉴赏[m].上海：华东师范大学出版社，2008.
[3]金秋。舞蹈欣赏[m].北京：高等教育出版社，2003.
[4]黄明珠。中国舞蹈艺术鉴赏指南[m].上海：上海音乐出版社，2001.
[5]刘笑艳。高职院校舞蹈欣赏课教学的新尝试[j].河南教育，2008（5）。
当代艺术作品鉴赏论文
国画展的展示设计功能主要应用于画展观众的艺术鉴赏活动中。所谓艺术鉴赏，是指读者、观众、听众凭借艺术作品而展开的一种积极的、主动的审美再创造活动。可分为审美直觉、审美体验、审美升华共三个环节。国画展的展示设计功能体现在推进这三个环节的有效进行。更人性化、更亲切、更强调人在展示活动中的地位以及物质与精神上全方位的需求，为了把展示信息有效地传递给参观者，使他们从中获益，就要求设计者为参观者创造一个舒适而实用的观赏环境，要尽可能地满足参观者的信息需求与生理、心理需求。
所谓审美直觉，是指人们在审美活动或艺术鉴赏活动中，对于审美对象或艺术形象具有一种不假思索而即刻把握与领悟的能力，具有直观性和直接性的特点。3在审美直觉环节中，首要领会的是国画展览中的展品陈设及画作说明等基本信息。
展品陈设在此是指国画作品的位置顺序摆放。国画的种类繁多，按题材可分为人物、山水、花鸟等画科；按表现方法有工笔、写意、钩勒、设色、水墨等技法形式；按表现形式有壁画、屏幛、卷轴、册页、扇面等画幅形式。这三种为常见的分类方式。画展中国画作品的摆放顺序应当按照以上其一的划分方式来进行，便于画展观众进入展厅后能够迅速对国画的题材、表现方法、表现形式等有直观明了的印象。
画作说明一般包含画家及作品内容的简介，较多地使用于设计作品中。国画作品的画作说明一般为画家名称及其身份背景，而作品内容分析较少。这实际上增加了观众鉴赏画作的障碍。中国画艺术作品通常凝聚着创作者自己的生活经历、思想情感、艺术经验等，具有较强的主观性质。观众要想深入理解国画作品，须对画家本人及作品创作经历有基本的认知，加之观众自己的生活体验及审美经验，领悟出绘画作品表达的深刻内涵，否则将有对牛弹琴的可能。因此笔者认为一个包含作者简介、创作经历、作品解析的画作说明是必不可少的。
掌握了画展的基本信息，加之国画展展示设计的气氛营造，两者共同推动观众进入鉴赏活动的审美体验及升华阶段，对绘画作品有着质变性的审美感受。
审美体验及审美升华的实现除了国画作品本身的艺术魅力之外，展示设计的气氛营造也体现出一定的辅助功效。展厅中通过不同的灯光、音效、布景设施，打造与展览相符的环境，每一个板块主题都与展览大纲紧密呼应，环环相扣，同时也使得参观路线流畅而富于变化。6通过运用各种展示设计语言来营造国画主题氛围，达到画展内容与展示形式的和谐统一，交相辉映。例如音乐的使用是来源于审美中的通感现象，通感是指将人的听觉、视觉、嗅觉、味觉、触觉等不同感觉互相沟通、交错。古筝和国画都是我国的传统艺术，古典风格古筝曲目和国画作品都给观众以古典高雅的艺术享受。例如《渔舟唱晚》，这首优美典雅的古筝曲目描述了一幅夕阳映照下渔人载歌而归的画面，仿若一幅气度高雅的国画人物山水图。这些紧扣国画展览主题的展示设计给观众以身临其境一般的艺术享受，对于国画艺术作品有着深切的审美感受。或许是跟创作者想似的经历，或许是创作过程的某个瞬间的引导，以及与主题密切相关的展厅氛围，这所有的恰到好处的引起了观众的共鸣与顿悟，达到鉴赏主体与艺术形象之间的心灵相通，极大地提高了观众精神上的审美愉悦。
信息反馈设计是指在画展展示设计中把观众对于画作鉴赏评论收集整理分析的方式。鉴赏评价一般来源于艺术批评家，有着较高的专业性和借鉴价值。然而画展观众的评价虽然专业性较低，但是贵在资源广泛，而且是第一手信息，其真实性价值极高，画家可以接收到不同生活阅历和背景的观众的鉴赏评论。因此画展中的信息反馈设计是展示设计中必不可少的环节。
画展中的信息反馈设计方式多种多样，可根据画展的具体情况进行设置。例如在画作展示墙的对面设置留言墙，用宣纸作为背景，让观众用毛笔记录自己对于国画作品的鉴赏评价，这样既有实用性又增加了鉴赏的娱乐性，同时也调动人们参与的积极性。除此之外，另一种方式为鉴赏评论表格的设计，把创作者对于作品可能给予观众的感受评价记录下来，以打钩的方式采集观众的艺术评价，可增加观众观展的便利，最大限度的调动观众的参与性。类似以上评论信息反馈的设计方式还有很多，展示设计师可根据具体的国画展览主题及展厅陈设进行相应的设计，让更多的观众参与到鉴赏评论中，从而推动艺术鉴赏与艺术创作更深远的发展。
国画作品来源于艺术家对生活的感悟，经过画家高水准艺术技能的表现作用于艺术鉴赏受众，而艺术鉴赏受众对作品的审美感受同样也影响着艺术家的艺术创作。国画展览中信息反馈环节的设计就是促进这种良性循环的保障，信息反馈环节在国画展览中的推行实施，于提升中国国民艺术素养及修养品格方面意义深远。
1.彭吉象着。《艺术学概论》。北京大学出版社，2006:358.
2.顾艺、王莹着。《创意策展与展示设计》。上海交通大学出版社，2012:7.
3.彭吉象着。《艺术学概论》。北京大学出版社，2006:380.
4.彭吉象着。《艺术学概论》。北京大学出版社，2006:384.
5.彭吉象着。《艺术学概论》。北京大学出版社，2006:387.
6.姚安着。《博物馆策展实践》。科学出版社，2010:9.
艺术鉴赏论文
一、中西声乐历史文化。
声乐作为音乐艺术的一部分，是从人类的原始时期就开始出现的。
远古时期，中西声乐艺术在各自图腾意识和文化氛围中就已呈现出迥然不同的表现形态。
汉唐是中国历史上汉族音乐与外来音乐大融合的时代。对外来音乐艺术的兼容并蓄，促使汉唐时代声乐艺术的空前繁荣。中国传统声乐艺术形式多样、品种繁多、流派纷呈、长期并存。
西方声乐艺术形式相对单一，但长期在歌坛独领风骚。从古希腊史诗、到中世纪圣咏与合唱艺术，再到歌剧，西方声乐形式经历了一个从独唱发展到合唱，再发展到比较高级的独唱的过程。
二、中西声乐审美比较。
由于中西历史文化背景的差异，导致中西方在声乐审美上有着迥然不同的见解。崇尚中和之美的中国人在审美心理中多习惯于平和、渐进、渐变的心理趋向，不喜欢新异、突变的普遍心态，而西方人则不同，西方音乐结构思维注重在矛盾冲突的对比前提下求统一的特征。中西文化在传统声乐艺术领域的另一突出反映，具体表现为中国以字韵纯正为重、西方则以声音优美为重。
西方传统声乐理论系统论及歌唱的呼吸与共鸣、声音的流畅与灵活等声乐艺术表现的诸多方面，而“声音优美”确是西方声乐艺术审美的首要标准。
三、中西声乐文化内涵。
声乐来自于社会生活，也是最早的音乐表现形式。它之所以自形成之初一直流播展衍至今，与其自身具备的社会功能是分不开的。其具有的社会功能有如下几种：信号功能;信息功能;仪式功能;宗教、道德的教化功能;娱乐功能;审美功能。这几种功能包涵了人类生活的方方面面，而由于历史文化的不同，中西方之间也有所区别。
华夏先民以农耕为主，思维意识没有明确的主客体之分，具有整体性、综合性、模糊性、直观性的特征。西方文明发端于狩猎、游牧的生活方式。在思维判断的方式上，理性推理超过感性经验。现代观念上的西方音乐，主要是指脱胎于基督教文明的艺术音乐。西方艺术声乐的产生最初是为了满足宗教仪式和宣传基督教义的需要。由于教会的至高无上的地位，教会成了专业音乐人才的培训基地和创作、演唱的中心，从而使西方的声乐较早地具备了鲜明的职业化、专业化的特征，也由此保证了西方声乐作品的规范性、严谨性和艺术性。
中西方音乐文化内涵的.差异首先体现在声乐作品上。中国声乐作品音乐和语言的关系紧密。中国语言的声调较为丰富，音调依附于语调。西方的语言是多音节的拼音文字，声调变化相对简单，而音节节奏和重音变化丰富。中国旋律多围绕音韵(平仄)进行，节奏的装饰性较强，总体呈现出非均分性、非定量性和随意性的特点。西方语言较少声调的变化，歌词多讲究节奏韵律的抑扬。相对于语调而言，语义对语言节奏的依附性更大。我国汉族的音调主要采用没有半音进行的五声音阶，因此歌曲缺少功能性的倾向进行。在西方音乐中，无论是教会调式还是大小调体系，每个音的稳定性不同，其他各音都具有对主音的倾向性。这种不稳定性不仅造成音和音之间相互联系的紧密，加强了歌曲旋律进行的动力感。
四、结语。
不同的社会历史背景为中西传统声乐艺术注入了各异的思想文化内涵。声乐艺术的历史文化背景、审美和文化内涵其实是统一在一起的。待人类传统文化与中西声乐艺术，肤浅的民族主义情绪无疑引发无谓的民族优劣论争，狭隘的民族虚无主义思想必然导致有害的民族传统批判。土洋之争、门户之见或许不只是政治历史的原因，囿于以乐论歌、以技说艺难免将民族声乐艺术引入狭路。否定传统文化便割断了民族声乐艺术发展的根本血脉，排斥外来文化则助长了民族声乐艺术退化基因的滋生。完整地继承民族传统声乐文化精粹，广泛地吸收外来一切优秀声乐文化，以中国传统声乐美学思想为宗，以西方近代声乐技术理论为径，或许是中国声乐艺术发展的明智选择。
参考文献：
艺术鉴赏论文
现如今，舞蹈艺术鉴赏教育已受到全社会的普遍关注。舞蹈艺术鉴赏不再是各校“装点门面”的可有无的课程，它将会不断地发展与完善，为祖国培养更多的全面发展的高素质人才。
当前全国的许多高校都不同程度地开设了舞蹈鉴赏课选修课程。这些课程的开设对于陶冶学生情操、挖掘学生想象力和创造力有重要作用，受到同学们的普遍欢迎。然而在实际过程中，教学效果并不尽如人意，这主要有以下三个方面：
（一）在课程设置上不够重视。
虽然大多数院校已将舞蹈鉴赏课程列入到选修课范畴中，但实际上却要求学生任选一门以上的艺术类选修课。而对于学生进行艺术教育应该是一个循序渐进的过程，不分情况地要求学生选多门艺术类课程只能是蜻蜓点水式的教学，效果微乎其微。这说明了高校对舞蹈鉴赏课程还不够重视，客观上也使学生在心理上视这类课程为可有可无。
（二）教学方法死板。
在舞蹈艺术鉴赏教学中，大多数教师仍然采用单一的传授式教学，这种传统的教学方法，剥夺了学生在课堂上的主体性地位，不利于学生主观能动性的发挥和创新精神的培养。
（三）学生兴趣不高。
学校的舞蹈鉴赏选修课，到课的人往往一开始特别多，到后面越来越少，就是去的也是为了应付教师点名，这种现象十分普遍。说到底，还是学生对这个课程不够喜爱。激发学生的学习兴趣，是解决课程困境的重要途径。
二、如何开展高校舞蹈艺术鉴赏教育。
（一）改革教学内容，与时俱进，开拓创新。
知之者不如好知者，兴趣是学习的基础。要激发学生的学习兴趣，在题材上的选择上，要尽量选择贴近学生、让学生容易理解的作品；在流行元素的选择上，应有选择性地介绍街舞、爵士舞和拉丁舞能对学生胃口的元素；也可以让学生学习一些简单的舞蹈语汇。舞蹈鉴赏课程教学内容的选择在精不在多，在于理解不在于盲从。要从易到难，循序渐进，投学生所好。
(二)注重学生鉴赏能力和审美能力培养。
课堂教学毕竟是有限的，“授之以鱼不如授之以渔”，舞蹈艺术鉴赏教育要把培养学生自学获取新知识的能力放在首要位置。
一方面，要丰富鉴赏的审美知识储备。舞蹈是一文化现象，对其鉴赏不能只停留在形式上，而应该从文化内涵上领略舞蹈艺术的美。要掌握一些基本的鉴赏方法。如族的《龙鼓舞》是青海省原始祭祀舞蹈，每年六月跳神会时祭祀神灵、驱灾避邪。离开这个一层文化内涵，便无从知道此舞蹈美在何处。
另一方面，加强大学生对舞蹈意境想象的训练，掌握舞蹈的动律与构图。舞蹈构成有三个：动律、构图和舞情。情感是舞蹈的灵魂，动律和构图是为舞情而存在的。原始图腾崇拜的舞蹈所以不朽，是因为它的每一个节律都充满了极端狂热的，而又无比虔诚生命情调。因此，在对舞蹈意境展开想象和联想之前，要引导大学生对其中的`情感进行反复体验。
（三）舞动肢体，结合实践领悟舞蹈魅力。
与单纯鉴赏的传统模式相比，师生间进行互动显然能提高学生的主动参与性，提高教学效果。尽管舞蹈艺术鉴赏是理论课，但是“动”是舞蹈的精髓。在讲到不同舞种的特点时，我们可以安排教一些简单手位及具有代表性的动作，把舞蹈知识与动作结合起来，让学生亲身体验舞蹈的魅力。
三、高校开展舞蹈艺术鉴赏教育的意义。
（一）社会意义。
1.传承民族文化，促进与世界的交流。舞蹈是民族的也是世界的，舞蹈能充分展示人的生命与心灵之美，是无国界的语言。舞蹈鉴赏对民族文化传承有着重要作用。通过对本土民间舞蹈的选择，能够培养学生善于发现本土民间艺术的慧眼，保护本土民间艺术，形成关注本土民间舞蹈文化的良性氛围，从而促进本土民间舞蹈传承和发展。而了解外国舞蹈，又能感受到异国风情，增长见识，促进彼此的了解。
2.体现素质教育，为社会培养文化型、创新型人才。当代的教育目标在于培养德、智、体、美、劳全面发展的的人才，舞蹈艺术鉴赏教育属于美育范畴，它对大学生综合素质的提高具有重要意义，从而为社会培养具有创新精神和实践能力的高素质人才。
（二）个体意义。
1.培养审美能力，完善文化修养。
人类的文化包括文字文化和非文字文化。应试教育忽视了学生对非文字文化的学习，使专业知识丰富的大学生却成了新一代的文化弱者。君不见高校文艺演出时演员们激情飞扬，而台下的观众却一片麻木。这并不是他们不热爱艺术，而是他们缺乏必要的艺术鉴赏能力。而舞蹈艺术蕴含着丰富的文化内涵、人文精神和美学、哲学思想等，是弥补大学生文化缺陷的最佳科目。
2.增强学生的智力，激发学生想象力和创造力。
斯佩里博士对人的大脑进行割裂研究发现，人的左脑负担抽象思维活动，右脑掌管形象思维活动。开发右脑可以提高智力水平。我国著名的艺术心理学研究者平心先生研究发现，热衷于舞蹈的大学生的智商明显比城市一般人口的智商高很多。
3.净化心灵，培养积极的心态和良好的情操。
舞蹈通过优美的人体动作、造型和表情陶冶人的心灵，提高人的思想境界。一部优秀的艺术作品是能够深深打动人心的。以舞蹈《中**亲》的欣赏为例。一开始，那形体的张力、那音乐的激愤，使同学们仿佛身临其境地重温起那个年代的国仇家恨的苦难。中国妈妈对侵略者恨入骨髓，却最终收养了敌人的婴孩，那种反复的矛盾和挣扎给人以强烈的艺术震撼。音乐又低沉转为轻快，慈爱而勤劳的中**亲终于辛辛苦苦地把日本的婴儿拉扯大了，她告诉孩子身世，含泪送她回去寻找亲身父母。从这部作品中我们可以领略到什么是真、什么是善、什么是美，懂得博爱和宽容的力量。
4.促进内外美统一和举止得体。
舞蹈是以人体作为主要表现手段，懂得舞蹈美的人处处都能体现姿态美。作为高层次的“文化型、创新型”人才，大学生应该是有更高的审美修养的，他们的气质、情感、涵养、风度、形貌、言谈举止的各个方面都应比一般人更得体。当教师用优秀的作品展示着美丽异域风情和古老的传说时，学生步入舞蹈艺术的世界，就明了了人体语言的美妙，促进了内在美和外在美的统一。
参考文献：
[1]王德胜．美学教程[m]．人民教育出版社，．9l。
[2]黄明珠．中国舞蹈艺术鉴赏指南[m]．上海：上海音乐出版社，
艺术鉴赏论文
李白此诗极力渲染“蜀道之难，难于上青天”。他为什么忽然想到这个题材，为什么做这首诗，对于这一疑问，历来就有好几种解说。
唐人王定保的《摭言》首先记录了这首诗的故事。李白初到长安，去拜访贺知章。贺知章是玄宗皇帝器重的诗人，他读了李白这首诗，十分赞赏，夸奖李白有“谪仙之才”。接着，孟棨所著《本事诗》也说：李白从蜀郡到京师，住在旅馆里。贺知章闻其名，首先去拜访他。看到他的状貌姿态，大以为奇。又请他拿出著作来看，李白就把《蜀道难》取出来请教。贺知章读后，赞不绝口，称他为“谪仙”。这两段都是晚唐人的记录，大同小异，可知当时人以为李白作此诗是描写他从蜀郡出来漫游时的行旅艰苦，又可知李白作此诗的时候相当早。李白到长安，在开元、天宝年间，此诗大约作于开元末年。
《新唐书·严武传》说：严武在蜀中，任剑南节度使兼成都尹，骄恣放肆。其时房琯在他部下任刺史。房琯做宰相时，曾推荐严武。后来房琯因得罪降官，做了严武的下属，可是严武对他却极为倨傲。其时杜甫在严武幕府中，任节度参谋，因为误犯了严武的父亲挺之的讳字，严武几乎要杀他。李白得知此事，遂作《蜀道难》，为房、杜二人耽忧。《新唐书》这一段记载是从唐人范摅所著《云溪友议》中采录的，可知唐代人对《蜀道难》的写作背景，还有这样一种说法。宋祁、欧阳修把这个故事写入了官方正史。就肯定了它的正确性。但严武任剑南节度使，是在肃宗末年。请杜甫任节度参谋，是在肃宗的最后一年，即宝应元年(公元七六二年)。这年的十一月，李白便故世了。当时李白远在江东，似乎来不及知道房琯、杜甫在严武部下的情况。而且从杜甫写赠严武的诗来看，他们二人间的关系未必坏到如此。因此，如果说《蜀道难》是为房琯、杜甫二人的安危而作，在时间与史实上都有矛盾。
李白诗集有元人萧士贇的笺注本，他对《蜀道难》提出了新的解释。他以为这首诗是作于安禄山叛军攻占长安，明皇仓皇幸蜀的时候，即天宝十五载(公元七五六年)六、七月间。当时李白在江南，听到这个消息，以为皇上幸蜀不是上策，“欲言则不在其位，不言则爱君忧国之情，不能自已，故作此诗以达意。”
艺术鉴赏论文
这首诗，大约是唐玄宗天宝初年，李白第一次到长安时写的。《蜀道难》是他袭用乐府古题，展开丰富的想象，着力描绘了秦蜀道路上的奇丽惊险的山川，并从文中透露了对社会的某些忧虑与关切。
诗人大体按照由古及今，自秦入蜀的线索，抓住各处山水特点来描写，以展示蜀道之难。从“噫吁?戏”到“然后天梯石栈相钩连”为一个段落。一开篇就极言蜀道之难，以感情强烈的咏叹点出主题，为全诗奠定了雄放的基调。以下随着感情的起伏和自然场景的变化，“蜀道之难，难于上青天”的咏叹反复出现，象一首乐曲的主旋律一样激荡着读者的心弦。为什么说蜀道的难行比上天还难呢?这是因为自古以来秦、蜀之间被高册峻岭阻挡，由秦入蜀，太白峰首当其冲，只有高飞的鸟儿能从低缺处飞过。太白峰在秦都咸阳西南，是关中一带的最高峰。民谚云：“武公太白，去天三百。”诗人以夸张的笔墨写出了历史上不可逾越的险阻，并融汇了五丁开山的神话，点染了神奇色彩，犹如一部乐章的前奏，具有引人入胜的妙用。下面即着力刻画蜀道的高危难行了。从“上有六龙回日之高标”至“使人听此凋朱颜”为又一段落。这一段极写山势的高危，山高写得愈充分，愈可见路之难行。你看那突兀而立的高山，高标接天，挡住了太阳神的运行;山下则是冲波激浪、曲折回旋的河川。诗人不但把夸张和神话融为一体，直写山高，而且衬以“回川”之险。唯其水险，更见山势的高危。诗人意犹未足，又借黄鹤与猿猱来反衬，山高得连千里翱翔的黄鹤也不得飞度，轻疾敏捷的猿猴也愁于攀援，不言而喻，人行走就难上加难了。以上用虚写手法层层映衬，下面再具体写青泥岭的难行。
青泥岭，“悬崖万仞，山多云雨”(《元和郡县志》)，为唐代入蜀要道。诗人着重就其峰路的萦回和山势的峻危来表现人行其上的艰难情状和畏惧心理，捕捉了在岭上曲折盘桓、手扪星辰、呼吸紧张、抚胸长叹等细节动作加以摹写，寥寥数语，便把行人艰难的步履、惶悚的神情，绘声绘色地刻画出来，困危之状如在目前。至此蜀道的难行似乎写到了极处。但诗人笔峰一转，借“问君”引出旅愁，以忧切低昂的旋律，把读者带进一个古木荒凉、鸟声悲凄的境界。杜鹃鸟空谷传响，充满哀愁，使人闻声失色，更觉蜀道之难。诗人借景抒情，用“悲鸟号古木”、“子规啼夜月”等感情色彩浓厚的自然景观，渲染了旅愁和蜀道上空寂苍凉的环境气氛，有力地烘托了蜀道之难。然而，逶迤千里的蜀道，还有更为奇险的风光。自“连峰去天不盈尺”至全篇结束，主要从山川之险要来揭示蜀道之难，着力渲染惊险的气氛。如果说“连峰去天不盈尺”是夸饰山峰之高，“枯松倒挂倚绝壁”则是衬托绝壁之险。诗人先托出山势的高险，然后由静而动，写出水石激荡、山谷轰鸣的惊险场景。好象一串电影镜头：开始是山峦起伏、连峰接天的远景画面;接着平缓地推成枯树倒挂绝壁的特写;而后，跟踪而来的是一组快镜头，飞湍、瀑流、悬崖、转石，配合着万壑雷鸣的音响，飞快地从眼前闪过，惊险万状，目不暇接，从而造成一种势若排山倒海的强烈艺术效果，使蜀道之难的描写，简直达到了登峰造极的地步。如果说上面山势的高危已使人望而生畏，那此处山川的险要更令人惊心动魄了。风光变幻，险象丛生。在十分惊险的气氛中，最后写到蜀中要塞剑阁，在大剑山和小剑山之间有一条三十里长的栈道，群峰如剑，连山耸立，削壁中断如门，形成天然要塞。因其地势险要，易守难攻，历史上在此割据称王者不乏其人。诗人从剑阁的险要引出对政治形势的描写。他化用西晋张载《剑阁铭》中“开胜之地，匪亲勿居”的语句，劝人引为鉴戒，警惕战乱的发生，并联系当时的社会背景，揭露了蜀中豺狼的“磨牙吮血，杀人如麻”，从而表达了国事的忧虑与关切。唐天宝初年，太平景象的背后正潜伏着危机，后来发生的安史之乱，证明诗人的忧虑是有现实意义的。
李白以变化莫测的笔法，淋漓尽致地刻画了蜀道之难，艺术地展现了古老蜀道逶迤、峥嵘、高峻、崎岖的面貌，描绘出了一幅色彩绚丽的山水画卷。诗中那些动人的景象宛如历历在目。李白之所以描绘行如此动人，还在于融贯其间的浪漫主义激情。诗人寄情山水，放浪形骸。他对自然景物不是冷漠的观赏，而是热情地赞叹，借以抒发自己的理想感受。那飞流惊湍、奇峰险壑，赋予了诗人的情感气质，因而才呈现出飞动的灵魂和瑰伟的姿态。诗人善于把想象、夸张和神话传说融为一体进行写景抒情。言山之高峻，则曰“上有六龙回日之高标”;状道之险阻，则曰“地崩山摧壮士死，然后天梯石栈相钩连”......诗人“驰走风云，鞭挞海岳”(陆时雍《诗镜总论》评李白七古语)，从蚕丛开国说到五丁开山，由六龙回日写到子规夜啼，天马行空般地驰骋想象，创造出博大浩渺的艺术境界，充满了浪漫主义色彩。透过奇丽峭拔的山川景物，仿佛可以看到诗人那“落笔摇五岳、笔傲凌沧洲”的高大形象。唐以前的《蜀道难》作品，简短单薄。李白对乐府古题有所创新和发展，用了大量散文化诗句，字数从三言、四言、五言、七言，直到十一言，参差错落，长短不齐，形成极为奔放的语言风格。诗的用韵，也突破了梁陈时代旧作一韵到底的程式。后面描写蜀中险要环境，一连三换的韵脚，极尽变化之能事。所以殷?编《河岳英灵集》称此诗“奇之又奇，自骚人以还，鲜有此体调”。关于本篇，前人有种种寓意之说，断定是专为某人某事而作的。明人胡震亨、顾炎武认为，李白“自为蜀咏”，“别无寓意”。今人有谓此诗表面写蜀道艰险，实则写仕途坎坷，反映了诗人在长期漫游中屡逢踬碍的生活经历和怀才不遇的愤懑，迄无定论。
李白的作品，以乐府和歌行最为著名，他的豪迈狂放的风格，在这些作品中表现得特别淋漓痛快。乐府和歌行，在诗的形式上，原无分别，如果以乐府曲调为题目，就属于乐府诗，如果自己制造题目，不谱入任何曲调，就属于歌行体诗。“蜀道难”是魏晋时代早就有的歌曲，它属于相和歌辞中的瑟调曲。这个歌曲的内容就是歌咏蜀道的艰难，行旅之辛苦。李白此诗，以《蜀道难》为题，所描写也是蜀道的艰险，所以它属于乐府诗。
艺术鉴赏论文
剪纸是民间艺术的一种。是以纸为加工对象，以剪刀(或刻刀)为工具进行创作的艺术。
每一种艺术都有自己独特的艺术风格，由于剪纸材料(纸)和所用的工具(剪刀和刻刀)决定了剪纸具有它自己的艺术风格。剪纸艺术是一门“易学”但却“难精”的民间技艺，作者大多出于乡村妇女和民间艺人之手，由于他(她)们以现实生活中的见闻事物作题材，对物象观察，全凭纯朴的感情与直觉的印象为基础，因此形成剪纸艺术浑厚、单纯、简洁，明快的特殊风格，反映了农民那种朴实无华的精神。归纳前人的经验大概有以下几个方面：
1.线线相连与线线相断。
纸剪纸作品由于是在纸上剪出或刻出的，因此必须采取镂空的办法，由于镂空，就形成了阳纹的剪纸必须线线相连，阴纹的剪纸必须线线相断，如果把一部分的线条剪断了，就会使整张剪纸支离破碎，形不成画面。由此就产生了千刻不落，万剪不断的结构。这是剪纸艺术的一个重要特点。剪纸很讲究线条，因为剪纸的画面就是由线条构成的。根据实践经验把剪纸的线条归纳为五个字：“圆、尖、方、缺、线”。要求达到：“圆如秋月、尖如麦芒、方如青砖、缺如锯齿、线如胡须。”可以说线条是剪纸造型的基础。
2.构图造型图案化。
在构图上，剪纸不同于其他绘画，”它较难表现三度空间、场景和形象的层层重叠，对于物象之间的比例和透视关系也往往有所突破。它主要依据形象在内容上的联系，较多使用组合的手法，由于在造型上的夸张变形，又可使用图案形式美的一些规律，作对称、均齐、平衡、组合、连续等处理。它可以把太阳、月亮、星星，飞鸟、云彩，同地面上的建筑物、人群，动物同时安排在一个画面上。常见的有“层层垒高”或并用“隔物换景”的形式。
3.形象夸张、简洁、优美，富有节奏感。
由于受到工具和材料局限，要求剪纸在处理形象时，既要抓住物象特征，又得做到线条连接自然。因此，就不能采取自然主义的写实手法。要求抓注形象的主要部分，大胆舍去次要部分，使主体一目了然。形体要突出，形成朴实、大方的优美感，物象姿态要夸张，动作要大，姿势要优美，就像舞台上的亮相动作一样，富有节奏感。
4.色彩单纯、明快。
剪纸的色彩要求在简中求繁，少作同类色、类似色、邻近色的配置。要求在对比色中求协调。同时还要注意用色的比例。如用一个为主的颜色形成主调时，其他颜色在对比度上可以程度不同地减弱。有时碰到各种颜色并置起来，稍有生硬的感觉时，则把它们分别套入黑色。金色剪成的主稿里，即可获得协调、明快的感觉。
5.刀法要”稳、准、巧”
民间剪纸的许多特点和风格都是是由于刀法上的一定技巧而产生的，如张永寿创作的“百菊图”，许多地方都是运用刀法的技巧。例如刻一种“罗汉须”的菊花，由于它初开时是直瓣，盛开时就卷曲，形成螺丝圈，剪这种菊花，要一瓣一瓣从里往外圈剪，剪成后花瓣卷曲自如，才能组成一朵形象殊异、风味别致的菊花。
如果刻一种叫“鹭鸶羽”的菊花，由于它开花时一瓣套着一瓣，一瓣勾着一瓣，剪这种菊，要运用“掏剪法”，剪起的地方要片片相连，瓣瓣相随，花瓣之间的粗细、大小才能参差有致，变化不同，剪成的花才能像鹭鸶的羽毛一样丰满而美丽。
当同时刻制数量比较多的剪纸时，在刀法的运用上，要切不要划，切出来的剪纸比划出来的剪纸要显得厚实。用刀时必须要像手拿钢锯一样，上、下来回切动，用力要刚劲、均匀，否则，刀在千里就会失去灵活性。注意不要左右来回摆动，握刀上下必须垂直，刻出的剪纸才会准确。在剪纸时，下刀和起刀必须做到准，特别是在刀与刀们连接的地方，说下就下，说起就起，否则，线条就容易被刀刻断或者刻不断而把剪纸撕坏。
这里的“巧”主要是指运用巧刀刻出的“锯齿”和”月牙儿”。这是剪纸刀法中很重要的两种刀法。这两种刀法运用得恰当，就能形成剪纸艺术独具的“刀味纸感”。
刀法的运用。
下面具体谈一下这两种刀法的运用。
剪纸成品“锯齿”是作者在制作过程中，由于纸和刀的切割移动而自然产生的，它利用锯齿的长短、疏密、曲直，刚柔，钝锐的变比，结合不同物象的'特征，表现它的质感、量感、结构等。
刻植物时，柔和的锯齿纹可以表现它的花果，坚硬的锯齿纹可以表现树的叶子和茎的针刺、毛绒。
刻动物时，细密的锯齿纹可以表现软软的绒毛，刚健的锯齿纹可以表现硬实的鬃毛，圆实半弧形的锯齿纹可以表现禽鸟、鱼虫的羽毛和鳞。
刻人物时，用跳动的锯齿纹可以表现活动的眉毛，胡子，头发，用修长丰润的锯齿纹可以表现小孩丰满的肌肤。
“月牙儿”也是剪刻时自然产生的各种弧形装饰，它以阴刻为主，主要表现人物的衣纹，或破坏大块黑的面积，根据个同物象的特征，形状，可长可短，可宽可窄，可曲可直，能变化出各种不同的类型。
“锯齿”和“月牙儿”这两种形式也往往不同一张剪纸画面中交错运用，使得层次更加分明和富有变化。
从南北朝时期的“对马团花”和“对猴团花“剪纸技法中的锯齿和月牙儿的萌芽出现，经过于百年的历史演变，一直延续，巳成为一种装饰图案的规律被人们所喜爱和运用。
民间剪纸的刀法形式除“锯齿”和“月牙儿”之外，还有诸如花朵、涡纹、云纹和水纹等。
剪纸艺术的种类：
由于各人的观点合乎依据不同，剪纸的分类也不同。例如有人认为用刀刻出来的不叫剪纸，而应该称为刻纸;但是有人却认为追本溯源，古代的剪纸也是剪镂刀刻的，何况剪也有“绞刀”之别称，为何刀刻就不能称为剪纸呢?事实上，剪镂刀刻的痕迹确有差异，其应用的技法也有难易之分，因此，世人认为刀剪并用的作品可统称为剪纸，而纯刀刻的作品仍可称为剪纸，于是剪纸分类上就有剪纸、刻纸之分了。
以纹样分类。
剪纸的纹样大致可以为：人物、鸟兽、文字、器用、鳞介、花木、果菜、昆虫、山水等，还有人提出加上世界珍奇、现代器物两类，共计11类。
又中国剪纸的特点，表现为题材的寓意，所以寓意可作为分来的依据，由此可分为：纳吉祝福、怯邪、除恶、劝勉、警戒、趣味等七类。
以用途分类。
有人认为剪纸的分类应以用途为据，由此可分为：
(1)装饰类：贴于它物之上以供欣赏或增加它物之美的剪纸，如窗花。
(2)俗信类：用于祭祀、祈福、怯灾、怯邪、驱毒的剪纸，如门神。
(3)稿模类：用于版模、印染的剪纸，如绣稿。
(4)设计类：能增加它物之美，或能宣扬它物的剪纸，如电影或电视的片头。
另外也有人认为剪纸应分为三类：
(1)凡是用单色纸剪做的窗花、彩稿(花样子)，称为剪纸。
(2)凡是用彩色纸剪做、经粘贴而成的作品，应称为剪贴。
(3)凡是剪后再填色的作品应称为剪画。此种说法未免含混笼统、似是而非，不仅类同窗花的繁多作品未列入，而且剪画一词释义尚多，不宜据于列类，何况剪而染色的作品将如何归类，实待商榷。
剪纸成品以用纸及制作分类。
还有以用纸及制作分类的，多用于教学之用。它将剪纸分为二类七种：
第一类：单色剪纸。就是用一种色纸来剪做的。又细分为：
(1)折剪类，即将纸折叠后剪，放开后可得一种图案或字型。
(2)迭剪类，即将数张纸重叠在一起，钉牢后再依稿剪之，一次可得数张作品。
第二类：复色剪纸，又称为彩色剪纸。是以数张彩纸分剪后剪拼贴成图;或以白纸依稿剪成，再染填上各种颜色;或先剪成主版，衬以白纸后再染填上各种颜色。细分可为：
(1)衬色类，先用单色剪纸的方法剪做成图，再以彩纸为衬。
(2)套色类，以单色剪纸的方法剪成主版和次版的形象，再另剪色纸贴裱在主版需要的部位上;或将画稿所需的各色色纸，重叠在一起钉牢，再沿稿线以次剪成，择取一张为主版，贴裱在衬底上，再将其余的部分添贴在主版之上。
(3)拼色类，即分别用色纸剪成各部分形象，再依图样贴裱在衬纸上;或见各色纸重叠在一起钉牢，再依稿剪成，吻拼于衬纸上。
(4)染色类，即用易于浸渍的白纸或浅色纸剪成各种形象，再逐次染成所需的颜色;或先将纸染色，再剪成形象。
(5)填色类，即先用黑色纸或深色纸剪出主版，裱贴在白纸上，再依稿填涂各种颜色;或用白纸剪成主题形象，裱贴后再填染所需颜色;也有先填色而后剪做的。
(6)磁性剪纸，磁性剪纸在工艺上有手工制作和机器制作之分，手工剪纸又有剪和刻之分。
至于兼用两类方法制作的剪纸，应择其主要的方法归其类别。
音乐美学声乐艺术论文精选
内容摘要：中国传统音乐源远流长，包含诸多审美品格，其美学思想博大丰富。“和”是中国传统文化意识与精神在美学领域里的集中体现，贯穿中国传统音乐美学的核心思想，构成了传统音乐特有的气质和艺术魅力。“和”在历史发展过程中形成了多种涵义，不同的时代、社会对其有不同的解释。
关键词：传统音乐美学思想审美意识“和”
中国传统音乐源远流长，其美学思想博大丰富。中华先民的审美意识可以追溯到未有文字记载的远古时代，从原始先民通过劳动摆脱了动物状态开始懂得装饰自己，便出现了最早的审美意识活动，其审美意识就已经产生了。在经历了奴隶社会、封建社会后，中华美学思想获得了蓬勃发展，形成了以审美意象为中心的传统美学思想。
中国传统音乐绵延几千年包含诸多审美品格，它是一定音乐思想特殊本质的集中体现，是音乐思想意识的结晶。一个国家、一个民族的思维习惯，对其审美意识的形成和发展有不可低估的作用。中华民族的传统思维习惯，决定了中国古代先哲奉行一种既对立又统一的思维方式，将矛盾双方作为一种内在的和谐，即中华文化传统“和”的精神。“和”是中国传统文化意识与精神在美学领域里的集中体现，贯穿中国传统音乐美学的核心思想。作为一种审美品格，“和”构成了传统音乐特有的气质和艺术魅力。“和”在历史发展过程中形成了多种涵义，不同的时代，社会对其有不同的解释。笔者将古代不同时期对音乐思想“和”的阐释作一梳理和简要述介。
“和”概念最早出现于春秋时期“和同之辩”的论争。《国语·郑语》载：“夫和实生物，同则不断，以他平他谓之和，故能丰长而物归之。”这里说明了在听觉感知上，只有不同的乐音组织相配才能生产美的音乐，相异的音乐组合在一起就能产生好听的音乐。这是从音乐审美的角度对“和实生物”规律的体验和理解。
春秋时期晏婴是一位大政治家、思想家，他对音乐有精辟的见解，曾说：“一气、二体、三类、四物、五声、六律、七音、八风、九歌以相成也。清浊、大小、短长、疾徐、哀乐、刚柔、迟速、高下、出入、周疏，以相济也。”将音乐各种特征的“相成”“相济”都归属到音乐审美的和谐统一之中。晏婴在谈音乐诸要素之间的谐和时，并没有忽视音声与人心的谐和关系。“先王之济五味，和五声也，以平其心，成其政也”，只有“和”的音乐才能使君子听了产生心平气和的感情。
先秦时期儒家学派倡导礼乐思想，对音乐所看重的主要是它的社会教化作用。他们对“韶”一类的雅乐推崇备至，认为“中和”的音乐是最能移风易俗具有教化作用的，讲究借中和的音乐修身养性。孔子认为思想的审美朴素之美，简朴之美，含蓄之美，是自然与人心的交融，主张在音乐审美中保持一种“和”的情感态度。孔子曾评价《关雎》“乐而不淫，哀而不伤”。他认为，音乐审美中的情感态度及其表现是中正平和的，也应当是适度的，有节制的，这同他的“中庸”哲学思想是一致的。
道家倡导“天地之和”的思想。老子崇尚朴素自然，追求平和；庄子认为主客体和谐产生美感，以内心纯朴自然性情的复归作为乐的实现，用乐调调和阶级矛盾，追求人类平衡，认为合乎其理想社会的乐，是具有自然无为，平和恬淡属性的“乐”。
汉代《乐记》从“德音”“中和”来看“乐”之美的社会属性与情感属性。只有具有“中和”情感特征的才是“和乐”，这就要求在情感表现上处于“中和”状态，“乐而不乱”“乐而不流”“刚而不怒”“柔而不慑”。
魏晋时期阮籍在其论乐专著《乐论》中，一方面以“和”作为乐的顺乎自然的本质属性，要求以协和阴阳的音声去适万物之“情气”，另一方面在音乐生活中继承乐教思想，要求“立调适之音，建平和之声”，制礼作乐“使天下为乐者，莫不仪焉”。嵇康在《琴赋》中以平和之声为琴音乐美的特征，在琴声具“自然之和”的基础上描写琴音的美妙。他讲的“礼乐之情”是以“乐之为体，以心为主”的角度讲“平和之乐”对人心的作用。
唐代白居易对琴乐审美问题上有较多论述，他视恬淡、平和为琴乐与“正始音”的音乐审美情感特征，以“淡”“和”为其审美标准。
宋代朱长文在“琴史”中以政不和故人心不和，人心不和故音不和的角度强调“乐之和”在于“正——心——音”之音的关系是否和谐。从音乐与人心的关系认为只有能够协调民心，“顺气正声、为群情之影响”的音乐才是“和”乐的，才是美的音乐。哲学家朱熹在《紫阳琴铭》中对琴乐审美明确提出“养群中和之正性，禁尔忿欲之邪心”，体现了他对琴乐中和美的认识，即“中和”美的实现有赖于通过自我修养达到人心之正性。
明代徐上瀛的《溪山琴况》是中国美学思想史最为重要、最具代表性的论著之一。《溪山琴况》提出二十四况，其中“和”是最为重要的审美范畴。《溪山琴况》开首即写道“稽古至圣心通造化，德协神人，理一身之性情，以理天下，人之性情，于是制为琴。其所首重者，和也。”这表明了“和”作为琴乐审美范畴，在《琴况》中具有其他诸况不能替代的地位。“和”在《琴况》中具有多义的内涵，如“和”况以琴乐陶冶人之性情，琴乐的实施目的在于使人心“和”，这具有社会伦理学的意义。“和”在《琴况》中与音乐审美理想有关，强调“和”的存在并不只是于技艺，要获得“和”之美存在的真谛要“不以情性中和相遇”。“和”是《溪山琴况》的主要精神，是贯穿其中的主要线索。
纵观我国古代音乐美学思想史，“和”在不同时代、不同历史时期人们对其有不同的解释。“和”是我国传统音乐美学中的优秀传统，至今这种美学传统仍普遍存在于我国民间传统音乐之中。但“和”又是相对的，随着时代的变迁、社会的发展，今日的“和”已不是儒家仅用于“雅颂之乐”的中庸之和，而是与多种非“和”品质相互融合的优美、平和、细腻的美学品格。
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声乐艺术与人才工程论文
摘要：声乐演唱是音乐表演艺术中的一种重要的形式，精湛的演唱能够动人心扉，引起共鸣，这就要求演唱者既要有高超的演唱技巧，又要有饱满的情绪，不能过分追求技巧而导致情感的苍白与空洞。
关键词：声乐表演;技巧;情感。
随着时代的发展，社会精神文明建设不断进步，人们对音乐的认识层次也越来越高，声乐作为一门专业的艺术学科，并不是只靠好嗓子就能学好的。
事实上，它是一门综合性较强的学科，对歌唱者的音乐素质、综合素养、内在情感、外在气质有一定的要求，并且要求歌唱者有执着追求的精神、自信的状态及乐观的心态。
一、技巧是呈现美感的基础。
声乐是人们用自身的器官发声来表达音乐思想情感的一种表演形式，一个完美、准备的表演一方面可以给听众带来听觉的享受，另一方面也能把音乐的美渗透到观众的心灵深处，使人们的心灵得到系洗礼，变得更加高贵、纯净。
歌唱的技巧是歌者经过长期系统训练，身体各机能都默契配合形成一种自如应用声音技巧表达歌曲思想感情的歌唱能力。
本人在长期的声乐学习中，结合自身实践，认为掌握好声乐技巧主要有三点：1、正确的呼吸;2、积极打开的状态;3、高位置的意识。
下面我将具体谈谈这三点。
(一)正确的呼吸。
在意大利传统年的教学中，是非常注重呼吸的，甚至说：“谁懂得呼吸，谁就会唱歌。
”本人在实践过程中，也感觉到呼吸是支撑着歌者声音的源动力。
强调正确的呼吸，也是美声唱法的原则之一。
关于呼吸的理论许多声乐著作上都有谈及，大致分为三种：胸式呼吸法、腹式呼吸法、胸腹式联合呼吸法，现在的教学一般都提倡胸腹式联合呼吸法，在日常教学中，老师都会教学生说：“放松自然的呼吸，叹下去，再吸气，吸气使两肋扩张，保持吸气的状态，吸着唱。
”老师用形象化的语言使学生的意识指导行动，这样一来，长期反复的练习，正确的呼吸就自然而然掌握了。
(二)积极打开的状态。
本人在上声乐课的时候，老师经常说要挺胸收腹、两肩放松、头正腰直，保持一个兴奋的状态，这便是积极的体态了。
除了要有积极的体态，还需要我们通过吸气打开喉咙，老师常说“半打哈欠”的状态也就是要我们保持一个打开喉咙的状态，我们练声时练的“u”母音也是帮助稳定打开喉咙的。
但打开喉咙不等于刻意的撑喉，刻意的撑喉会使颈部周围的肌肉过分紧张，舌头往下压，这样不但没有帮助歌唱，反而形成了舌根音。
打开喉咙是非常重要的一个环节，如果喉咙打开的不够气息便不会顺畅，容易导致我们的声音发紧、摇晃，长期甚至可能引发喉疾。
(三)高位置的意识。
美的声音不管在哪个声区都是集中、圆润、明亮、灵活、轻巧的，那么能发出这些特质的声音除了天生音色好听之外，更因为歌者在演唱时很注意保持高位置。
我理解的高位置是面罩共鸣，早期的一些声乐界权威教授，如中央音乐学院沈湘教授、上海音乐学院的温可铮教授等就注重“面罩”唱法。
歌者把声音放在管道里，贴紧鼻咽腔、挂在头腔，再加上良好的气息支撑和积极打开的状态，这样发出的声音便会使听众感到通透。
二、情感既是对作品的二度创作。
声乐艺术的情感表达是歌者对作品的分析理解、风格把握，我们拿到的乐谱毕竟只是写在五线谱上音符，而作曲家、作词家倾注在作品里的情感则需要歌者通过对作品思想情感准确的解读后用声音的.色彩、力度、速度、语言、表情动作等等来表达出来。
能够充分的诠释歌曲的内涵与歌者对内心情感的融入是密不可分的。
说到情感表达，让我想起了上海音乐学院声歌系贺建党90周年的音乐会上，李秀英老师演唱的《黄河怨》。
李老师用哀怨的音调将作品想要表达的悲壮、屈辱、痛苦、愤怒近乎绝望的情绪演绎的淋漓尽致，她那高超的技巧加之对作品的情感投入，成功塑造了一个妇女在抗日战争时期，受尽鬼子辱，家破人亡、万分悲痛中英勇顽强、不屈不挠甚至以死抗争的崇高形象，其深入人心的演唱使我几度潸然泪下。
任何一首作品都需要歌者不断揣摩，站在创作者的意图上，全面分析，加之自己的音乐修养，巧妙的运用不同音色赋予作品鲜活的生命，进行二度创作，使歌曲富有感染力。
三、情技合一是声乐艺术的最高追求。
歌唱是人们抒发内心情感的一种方式，只有声情并茂的演唱才能俘获听众的心。
在声乐学习的过程中，技巧与情感是最重要的两个部分，二者相辅相成，既不能因过分追求技巧而忽略情感的表现使作品显得苍白又不能在技巧没有成熟之际胡乱表现情感。
恰如其分的情感表达赋予了歌曲灵魂，也让歌者能够通过演唱而发挥魅力、绽放光彩。
当然情感与技巧的协调统一并非一蹴而就的，这需要歌者经过长期系统的、科学的训练方法加之持久的恒心、信心以及对演唱高度的敏锐度。
声乐艺术道路的追求非一朝一夕之事，我相信，只要坚持，定会有越来越多的好歌者展示美的声乐演唱艺术。
[参考文献]。
[1]黄认识.论声乐演唱中情感与技巧的辩证关系.上海师范大学硕士论文,,5.
[2]王晓棠.声乐演唱中方法与情感的统一及其解决策略.艺海,,11.
当代艺术作品鉴赏论文
在高等艺术院校各类专业学科教育中，艺术鉴赏能力的培养是一重要环节。随着高等艺术教育改革的不断推进和深入，对于学生音乐鉴赏力的培养则是高等艺术教育中不可或缺的环节，教师不能仅仅只注重各艺术门类专业技能的培养，而是需要上升至艺术美学领域，充分挖掘艺术教育独特的情感功能，以审美为研究主线，逐渐渗透至各专业学科，更加有效地提高学生的鉴赏能力和审美水平。
高等艺术教育；艺术鉴赏力；音乐鉴赏。
音乐作为一种独特的艺术形式，在时间中展现，通过人类的听觉器官引起各种情绪反应和情感体验的艺术门类，它的功能就是用独特的音乐语言：节奏、旋律、和声等，各要素之间的衔接和融合编织成美妙动听的音乐。作为综合性艺术门类下的一个分支，在高等艺术教育中，都应秉持提高学生音乐鉴赏能力为理念，提升学生的艺术修养，让学生通过学习音乐知识领略到音乐的文化功能，它是人类历史上重要的文化载体。通过传授科学的专业知识使学生感受富有生命力的文化，培养学生多元化的思维能力、创新能力、实践能力以及合作能力，使他们在学习过程中感受并体验音乐的美学理念，提高音乐综合素养。
艺术鉴赏，同指艺术欣赏，是人们在欣赏艺术作品时做出的客观评价，具体表现为感官感知、情感体验、联想想象、创造性思维等心里活动融为一体的艺术审美实践活动。高等艺术院校对学生艺术鉴赏力的培养，是贯穿于整个教育教学体系之中。拥有艺术鉴赏力，不仅使人们在欣赏艺术的过程中获得直接性的感官愉悦，而且也丰富了人们的精神需求，从而可以深层了解艺术作品表达的思想内容和作品内涵。例如歌剧《白毛女》，它是我国歌剧史上第一部里程碑式的作品，同时也是中华民族歌剧成熟的标志和发展的奠基石。学生在欣赏此作品的过程中，不仅需要通过观看戏剧演员在剧中的表演，还需要充分发挥主观能动性观察演员在表演时的神情和姿态，领会演员传达出的含义，并在中国旧社会地主与农民阶级的矛盾中，控诉地主阶级的丑陋与罪恶的一面。在了解学习到旧社会把人逼成鬼，新社会把鬼变成人的主题中，获得相应的情感体验。
在高校音乐教学中，教师可以运用音乐鉴赏的美育功能来培养学生的审美意识，建立他们的审美能力。运用音乐鉴赏的文化功能来丰富学生们的文化视野，运用音乐鉴赏的教化和心理功能启迪学生的才智，培养学生的创新能力。音乐鉴赏的四种功能相辅相成，对促进学生的个性发展、健全人格目的起着至关重要的作用。
（一）美育功能。
音乐鉴赏的美育功能是最具音乐艺术本质性和价值性的功能。美感是一种客观与主观相结合的产物，尤其在音乐这一艺术门类中，主观在审美过程中起着更为重要的作用。作为人们情感体验的审美实践活动，音乐鉴赏力在高校教学过程中对提高学生的审美能力，培养学生的审美观念有一定的作用。学生在学习的过程中，通过对作品承载的丰富情感的体验，感受作品表达出来的意境美，有利于提高学生自身的文艺修养，陶冶艺术情操，培养音乐美感。
（二）教育功能。
音乐作为素质教育中的一门基础性学科，其本质是一种基本素质教育。而音乐鉴赏力的培养在国家整体的素质教育中具有极为重要的作用，提高音乐素质首先就是提高学生的音乐鉴赏能力，这将有利于学生整体素质的提高，是国家素质教育中必不可少的一部分。音乐的教育功能是通过乐曲所表现的情感和情绪感染听者而实现，通过音乐来反映人们的思想、情感以及生活，使学生对音乐产生兴趣，并从中可以体验到对生活的肯定或否定、积极或消极、紧张或松弛、平静或激动、愉悦或抑郁的态度，进而扩展到体验某种概括性的人生哲学，培养具有对音乐美的感知力、表现力和初步的鉴赏能力。
音乐是一种非语义性和非造型性的艺术，它只能通过音响的组织运动，以象征、暗示、模拟、抽象、概括等方法间接地展现现实世界，在人类文明进步的发展史上，占据着极其重要的作用。因此，拥有较高的音乐鉴赏能力，能够帮助学生更加深入地欣赏音乐，领会其中表达的意境和思想情感。
（一）激发音乐兴趣，促进身心健康。
随着时代的变迁和民族文化的不断发展，不同风格和流派的音乐不断涌入，逐渐进入到了人们的视野之中。音乐风格的多样化导致了不同的音乐形式在内容、含义上也不尽相同，其中表达的思想情感根据每个人的审美体验，都存在不一样的身心体验。所以只有掌握了一定的音乐理论知识，了解中西音乐发展历史，才能更好地欣赏不同的音乐种类，感受不同时期不同种类的音乐带来的艺术魅力。从目前我国高等艺术教育的发展来看，为了追求更高的艺术技能，大部分学生为了使自己忙于自己的主专业课，忙于每天练功房的辛勤练习，而他们的音乐理论知识，比如音乐基本理论、和声、曲式等，实际上并不牢固。为了使学生们的审美能力达到符合当代艺术审美的要求，高校必须采取一定的措施，加强大学生音乐鉴赏能力，而不是仅仅以娱乐、调剂为目的，正确引导学生辨别音乐的美感，使其在高雅艺术中获得成就和乐趣。
（二）开拓想象思维，提高创新能力。
作为新时代中国发展的后备力量，大学生在学习研究的过程中，应该注重创造性思维和批判性思维的发展，以满足国家创新发展的需要。在高等艺术教育中，通过加强学生的音乐鉴赏能力，使得学生的各方面思维能力，包括形象思维和逻辑思维等都能被充分地得到开发，进而为他们的鉴赏能力提供了保障。培养学生的鉴赏力，让学生在学习自己专业课程的同时，也可以充分在音乐提供的巨大空间里进行无限的遐想，帮助学生对音乐的特性（非语义性和非可视性）的认知。伟大的物理学家爱因斯坦曾经说过：“如果没有我早年的音乐教育，无论在哪一方面我都将一事无成，音乐带给我的想象力比知识更重要，比物理教师那里获得的东西更多”。由此可知，是音乐培养了爱因斯坦的创造力。在音乐教育中，要加强对音乐鉴赏力的培养，不但可以帮助学生从更深的层面来欣赏音乐，而且会对学生在创新意识和能力运用在以后的学习生活中，对学生思维的开发有着不可磨灭的作用。
（三）陶冶生活情操，促成全面发展。
音乐作品通过自身美妙动听的旋律表达各种情感，如欢快的、悲伤的、喜悦的、愤怒的。人们通过聆听来达到精神上、心灵上的共鸣，从而起到对心灵的慰藉和滋养。在高等音乐艺术教育方面，不仅仅可以对学生的审美能力进行培养，而且也能促使学生全方位发展。加强音乐鉴赏力的培养，可以帮助学生树立起积极的人生观和价值观，在享受艺术作品的同时感受它们带来的魅力，有助于学生的全面发展。学生们可以从优秀的音乐作品里获取到一定的知识，运用自己已经掌握的鉴赏能力，更加理性地看待每一份作品，辨别是非，获得人生成长的动力。例如，在欣赏我国1980年上映的电影《海外赤子》的插曲《我爱你，中国》时，在旋律的跌宕起伏中可以感受到在海外奔波的华侨对于祖国的一片赤诚和热爱，激发出爱国之情，从而更好地投身于祖国的建设之中，为祖国的繁荣富强和民族的伟大复兴尽心尽责。此外，音乐鉴赏力可以帮助我们在音乐中体验艺术美，感受音乐美学，缓解了生活压力，保持良好的精神状态。
如何培养和提高大学生的音乐鉴赏力是整个国家素质教育乃至高等教育共同面临的棘手问题。现阶段，高校大学生的音乐鉴赏能力普遍处于中低级阶段，在现有的艺术技能和理论基础下难以在音乐欣赏中获得艺术享受，而音乐鉴赏课作为大学生的基础课程，往往得不到重视，不能否认的是，拥有音乐鉴赏能力是提升大学生自身综合素质，培养其创新思维能力的有效途径。为改善这一现象，应对高等艺术教育进行一次改革，以便在高校教育内容、教育方式、教育手段中融合音乐审美和音乐鉴赏的教育，达到音乐鉴赏能力培养的目标。
（一）丰富音乐教育内容。
高等院校在对学生音乐培养方面应该丰富其教育内容，不断地让学生接触有关音乐鉴赏类的课程，不断完善课程设置和课程标准，努力让鉴赏类课程成为大学生的必修科目，加强学生音乐鉴赏力的培养。在考虑到当前学生综合的音乐鉴赏能力下，高校教师可在课堂中引入各个时期每种音乐风格的代表作品，巴洛克时期与浪漫主义时期、古典音乐与流行音乐、爵士音乐与流行音乐的结合。通过多角度、多维度的思维进行分析和探究，使得学生更好地领会不同时期、不同音乐、不同风格的音乐魅力。中西音乐史与音乐基础理论课程的结合，会使音乐教育的内容更加丰富，从而学生也能把学习过的内容进行串联并做出理性的分析和判断。
（二）改进音乐教育手段。
随着音乐课程内容的不断丰富，音乐教育手段和教育方式必须同时做出一定的改进和调整。在大学的学习生活中，教师不仅仅以传统的授课模式进行引导和教学，学校应采取多方式、多层次的教学手段来满足不同层次学生的学习需求，逐步引导学生提升审美鉴赏能力。作为大学生还要善于利用学校可利用的一切资源丰富自己的知识，提高鉴赏能力。为了补充在课堂的基础教学，学校在教师授课之余应当多开展有关音乐美学、艺术鉴赏的讲座，以讲座的形式接受更多的在校生，以场面互动的方式接纳学生的想法，激发学生的思维模式。为帮助学生更好地理解音乐作品，教师在进行音乐鉴赏的过程中，可以采用情景创设法，将音乐鉴赏和故事背景联系起来，用生动有趣的故事来吸引学生，帮助学生体会音乐作品中传递的思想情感。比如中国著名小提起协奏曲《梁祝》，这首乐曲的精彩之处不仅仅体现在小提琴优美的音色，更体现在乐曲背后的凄美爱情故事。教师可以采用讲故事的方式向学生讲述梁祝二人由相识、相知、相爱到分离、死亡的过程，然后让学生来自主地欣赏这首美妙的乐曲。
（三）开展多元音乐活动。
引导学生主动参与是培养学生音乐鉴赏能力的原则。为了使每位学生到达音乐鉴赏能力的要求，学校还应在大学音乐教育中大力开展多元化的音乐文化交流活动，目的是为了让每位学生主动参与其中，交流思想，启发思维，迸发出新的灵感和感受。在强调教师引导的同时，更加突出学生的主体地位，更加注重学生参与活动的重要性。教师的主要任务就是采取多种教学方法，调动学生的积极性、主动性，让学生在轻松、愉悦的氛围中参与到音乐鉴赏活动中来。与此同时，高校与校外多家企业及组织联合开展音乐交流活动，以便提供给学生更加广阔的平台去学习和交流，获得音乐专业领域的专业人士进行交流机会，可以帮助到学生在课堂学习的同时，及时补充和丰富自己的见解和知识。
我国高等艺术教育正在蓬勃的发展之中，在开展艺术专业教育的过程中，对高校学生艺术鉴赏能力的培养刻不容缓，努力提升学生的艺术审美能力和审美体验，开拓学生的想象、创新的思维方式。艺术鉴赏主要就是为了提高学生对艺术的感受能力和艺术作品的表达能力，所以，在教育教学的过程当中，高等艺术院校的教育工作者应该与时俱进，一层层深入的引导学生并且培养学生们的艺术鉴赏能力，要让学生们真真切切地感受并体会到艺术作品中所蕴含的美学艺术。
[1]侯磊。普通高校音乐教学中学生音乐鉴赏力的培养[j].科技信息，2011,(34):328.
[3]吴小丽。新媒体时代大学生音乐鉴赏力探究———评《音乐鉴赏》[j].新闻爱好者，2017,(12).
音乐美学声乐艺术论文精选
音乐美学作为一项独立的学科内容，具有较强的抽象性和哲学意义，因此一直以来被相关领域所关注和钻研。本文旨在阐明音乐美学的概念、表现形式、相关的音乐内容，并在此基础上结合实际分析音乐美学角度下音乐艺术表现形式的实现路径，希望借此引导大家更加深刻地了解、学习、欣赏、传承音乐艺术。
音乐美学，顾名思义，融合了音乐、美学等诸多内容，具备较强的美学和艺术性特征。为了更好地了解不同音乐作品的存在和表现形式，方便日后进行传承发展，音乐美学开始成为广大学者专家深刻关注的话题。具体方法就是及时透过美学层面去挖掘和定位不同音乐作品的存在、表现形式，自觉加深对音乐理论知识和表演实践的融合效果，在吸引更多人关注的同时，提升学习者的审美素质。至于音乐美学角度下音乐艺术具体的表现形式，则主要会在后续深入延展。
相对于其他音乐学科来讲，音乐美学具备一定程度的哲学性、艺术性特征，主张针对不同音乐作品的艺术规律加以精准性把控，拥有自身特定的研究对象和涉足领域，拥有较强的概括性和抽象性效果[1]。除此之外，音乐美学在国内来讲还是比较新颖的，但实际上其很早就由德国哲学家鲍姆嘉通总结阐述，主要收录在《论音乐美学的思想》着作之中，并且持续到十九世纪后由德国音乐学家里曼再次补充拓展，《音乐美学的要义》作品正式问世，音乐美学也正式作为一门学科而独立存在、深入发展。
首先，音乐形式的基础性要素莫过于表情，其存在意义甚至超过单纯的音乐声音，在音乐表现过程中占据着主导地位。透过音乐艺术层面审视，这部分表情强调借助音响元素来呈现出创作者不同阶段特殊的情绪状态，对应的表现形式包含了高低、长短、快慢、强弱等区别，经过这些形式有序地搭配融入之后，能够赋予整个音乐艺术作品更强的灵活性，保证基于人差异化的情绪状态来生动性抒发对应的感情。
其次，音色亦属于情绪表达中不可忽略的要素。古往今来，诸多作曲家都在热心钻研如何利用乐器来展现各式各样的音色，特别是对于近代音乐来讲，这类现象尤为显着。如许多作曲家决心对传统乐队予以创新形式的调整排列，以求在开发出更加特别的音色基础上，呈现出一类极为新颖、奇特、美丽动人的音响效果，进一步使人的情绪得到深入性、完整性、精准性的表达。
音乐形式的要素还包括组织方式，如若缺少了它，将难以构建完善的音乐结构框架。这就需要表演者适当加入和融合一些特殊的旋律、和声、曲式、作曲技巧、十二音序列等要素，呈现出独特的整体架构。
这类法规属于音乐要素和组织方式衔接的重要媒介，属于人们经过长期审美活动之后，针对现实生活中的不同美感形式加以概括的结果。毕竟广大艺术家们在参与美感体验、创造等活动时，还是需要依靠一些基础性法则加以规范引导的。归根结底，音乐和绘画、雕塑等艺术有着明显的差异性，其绝非单纯地将一些美感要素进行整体、直观地呈现，而是主张有序地规划不同音响的排列次序，使人们在聆听旋律的同时感受到一种和谐美[2]。因此，时间对于音乐这类艺术的表现形式来讲极为重要，当音乐组织技巧在特定时间段内呈现过后，会令听众及时体验到音乐的延续性效果。在此期间，音乐时间和现实时间截然不同，而是作为一种虚化的时间序列而存在。
从本质角度分析，音乐运动属于某种心理活动；而从物理学层面解读，声音产生的根源在于物体的振动现象，正是在一个声音消失而另一个声音接连出现过程中，才形成了整个富有想象力的音乐作品，再经由一代代人传承记忆和完整再现。
在音乐艺术中，音乐性内容涉及情绪、风格、精神三类特征。第一，情绪作为音乐内容中表层的部分，听众能够透过感官来直接体验，进一步把握现场传达的整体氛围效果。第二，一类音乐内容的风格体系，往往不需要理性因素作为支撑，而是要配合听众当下的心情和理解方向进行确认。如若说情绪影响着音乐作品的格调，那风格体系便决定着这种格调的类型，两者维持着一定的阶级关系。第三，精神属于音乐内容中最为高层次的部分，是创作者在特定社会背景下想要抒发的思想情感，包括对现实生活的反思还有创作的主旨。音乐的精神内容单纯配合专业技能始终不能全面、准确地认证，毕竟其是一种高级的审美活动与产物。
这类内容具备一定程度的主观性色彩。首先，绘画性内容，顾名思义，就是配合人的听觉感受来呈现出种种画面，使旋律、音响等转化成为线条、色彩，令音色成为一种时尚造型，进一步丰富听众的音乐世界。其次，文学性内容，存在于创作者的音乐表现还有听众的主观想象当中，其涉及过程、冲突、情绪三个层面，需要创作者借助节奏、音响等细节变化，来进行文字化的抒情表达，配合音乐主题来模拟对应的现实情境和情节，并使用某些音调来演绎出一系列事物等等。
首先，音高的控制。结合我国民族民间音乐发展史来看，为了紧跟音乐变化发展的趋势，就务必及时挣脱大小调体系的约束，创造出更加宽阔的音乐语言空间之余，使音乐表现力和听众的听觉感性特征持续增强，从而自主加入到现代音乐探索队列之中。在此期间，凭借理性设计作为核心的音乐构成模式，更加有助于激发出听众对音乐的感性想象力，增强音乐作品音响的感染力。因此，要想在音乐表现中遵循音乐美学，就要先学会平衡表达理性和感性的关系，准确控制音高。
其次，节奏的把握。现代音乐在节奏表现层面应该要学会突破传统音乐的约束，想方设法赋予音乐艺术超强的感染力。不仅仅要加入一些鲜活的节奏，同时还应该在节奏衔接上保持一定的跳跃性、灵活性、动态性特征，进而为增强整个音乐作品的表现张力奠定基础。需要注意的是，音乐节奏把握上同样存在理性倾向，那就是在保证和传统音乐节奏有所区分之外，还应顺应大众的审美需要，切不可盲目越过大众听觉感受的范畴，否则会严重削减作品整体的审美效果。
最后，音色的处理。音色同样随着音乐艺术持续变化发展，如今已经随着各类乐器的使用，慢慢越过民族的界限，成为音乐作品中自由使用的元素。但是，总有些人过分追求音色的多元性，不能协调各个音色之间的关系，到头来不仅没有赋予音乐作品流行的推动力，反而破坏了收听效果，因此合理使用音色应该得到创作者们的重视。
第一，音乐作品的创作，实际上就是结合生活体验来进行乐谱记录的过程，许多艺术家习惯于结合丰富的生活体验和完善的构思，来将头脑中的种种思想透过音乐细致地传达出来。在此期间，要注意搭配好音乐作品的曲式还有旋律，这样才能确保作品问世后是独一无二的。由此看来，音乐艺术的创作和表现，需要经历非声音形态的表现对象选择、声音形态的听觉对象匹配、作品乐谱的形成等环节，任何环节都不可忽略。
第二，在进行音乐艺术表演期间，能够清楚地感受到其存在模式。表演者想要充分展示出一些音乐作品独特的艺术效果，就要先读懂乐谱，在经过深思熟虑之后，将各类音乐符号转变成为和谐的声音形态，再配合相关乐器和演奏技巧进行优美的呈现。所以说，在音乐表演期间，音乐艺术的存在形式由音乐符号、想象的音乐形象，转变成为现实的音乐作品。
第三，音乐作品欣赏环节中，听众会自觉地对当中的旋律、节奏进行整合，借此加深对音乐作品还有艺术的了解认识。在此期间，听众群体正经历着想象作品、加深情感体验、形成认识结果、做出综合评价等过程。
音乐艺术作品属于一类有机整体，经过了审美和非审美式的整合处理。特别是在同一作品当中，这类融合更加有倾向性。譬如一些轻音乐或是抒情曲艺术作品，重点凸显审美价值，却对一些非审美价值进行弱化处理。现代音乐艺术展现形式更加注重审美、非审美价值的自然融合，毕竟只有两者高度统一之后，音乐作品才显得更为优美动听且富有内涵。归根结底，就是借助特殊的审美滤镜，来将一些科学知识、道德价值观等非审美价值要素巧妙地穿插进去，使得音乐作品本身的魅力增强、内涵更加丰富。
另外，保持音乐艺术内容和形式的统一关系。完美的音乐艺术作品，其内容和形式往往彼此关联缜密，相互契合[3]。事实上，音乐艺术作品在内容上显得比较独特，主题明确，而为了更加精准、完整地表达这部分音乐内容，就要求适当的音乐形式作为支撑。所以说，许多创作家都习惯了基于内容和形式的依存、制约关系来展开补充式创作，利用音乐形式把控着音乐内容的描述，配合音乐内容锁定音乐形式的筛选方向，不至于在表现过程中出现情感突兀、节奏紊乱等不良现象。
综上所述，基于音乐美学视角来细致性解析音乐艺术的形式和内容过后，还需要协调把握它们之间的联系、制约关系。作为广大听众群体，在进行各类音乐艺术作品欣赏过程中，不仅仅要关注其外在表现形式，还应该深入性钻研其核心内容。同样地，作为音乐创作人员，也应该在充分调查了解听众们的兴趣偏好基础上，处理好音乐作品的表现形式和内容的关系，做到及时透过整体进行创作梳理，促进作品在内容和形式上的和谐融合状态。长此以往，帮助更多人科学认识和准确把控音乐美学的基础性规律，提升大家的艺术表现力和审美素养，促进我国音乐艺术的繁荣发展。
音乐美学声乐艺术论文精选
通过人发出的声调再加上语言并用人们的歌唱表演表达出对音乐情感和音乐性质的艺术形式，被称之为声乐艺术。可是作为艺术与实践的结合体，现代音乐美学却呈现了一种复杂的状态，这并不是几天功夫就能学得会的。现代声乐表演艺术也在得到了现代音乐美学的帮助下，变得更加赋有现代性魅力。所以，对于二者的结合是未来声乐艺术发展的一种趋势，只有将二者更好的进行融合，声乐艺术才能得到更好的发展。
随着时代的发展，人们的审美水平也在不断的提高，相应的对音乐表演就有了更高的要求。这就需要表演者能在演奏音乐时，将自身的灵魂与想要表达的请看全部注入到自己的音乐作品中，让音乐也能赋有灵魂。而这说来简单，对于表演者来说就是相当困难的。表演者必须要有扎实的音乐素养以及对艺术有独到的见解。可是音乐的本身是不存在表达力的，这需要音乐家成为一个桥梁，将表演和音乐进行充分的结合。不仅如此，抛开音乐不谈，乐器的伴奏也是重要的道具。演唱者会利用歌唱与乐器来将自己内心的情感进行抒发，音乐的表演是游走在创作与欣赏之间的一种存在。因为每个人对音乐都有不同的观点和想法，这也是为什么今天的音乐世界会如此的异彩纷呈。灵感不同创作感觉就会不同，即使是一件作品也会被风格感较强的两个创作者变得好不相同。总而言之，音乐各种形式的表演都属于音乐美学的一部分，而前者在后者的基础上进行者音乐效果的传递。
（一）音乐美学现象学理论是音乐创作的重要理论指导。
就现代音乐美学的发展上来看，现象学美学绝对称得上是重要的内容。早在二十世纪九十年代，音乐家罗曼就曾发表过关于现象学美学的相关论文，此论文的发表，也为日后对其的研究有了更加详细的理论基础[1]。不仅如此，罗曼还在这篇论文中说明了哲学的客观性与主观性，前者是与人的意志无关且不受意志影响的；而后者则是依附于人的意识而存在的，而且也是意志发生一定变化时，会产生变化进行转移的。对于音乐美学的现象学研究时，主要是从主观性这一方面进行研讨的。哲学现象时有哲学家胡塞尔第一次提出的，不仅如此，他还是罗曼的教师，所以会对罗曼产生较大的影响。正所谓艺术是人类最高层的精神文明，声乐作为它的一部分，更是一种艺术性极强的艺术形式。对于声乐表演艺术的创作要始终将人类的意志作为核心。这种艺术形式的创作就是为了满足广大人民群众的需求，优秀的艺术家时刻都会这样想，并获得人们的深切喜爱。每个时代的声乐表演艺术都是具有一些明显特征的。在我国二十世纪六七十年代，音乐的特征就是革命歌曲，旋律多以斗志昂扬为主；而到了改革开放时期，由于西方舶来品的日益增多，人们开始追求个性化，这时期的曲风更加具有多样性，呈现了一种百花齐放的状态。从中我们也快可以看出，音乐的创作是离不开人们的意志的。因此，在现象学理论被提出之后，音乐作品的创作变得有了理论依据[2]。
（二）在声乐表演“同一性”中对现象学理论的应用。
现象学音乐美学将“同一性”解释为是具有特异性的。其中说到，剧本与乐谱是声乐表演的两大参照物，且剧本与乐谱是两种可以独立的个体。简单来说，演奏者按照乐谱来进行乐曲的演奏，每个人会因为个体间的差异而让与乐曲有不同的感觉，且差异性也很明显[3]。对于这个问题，相关音乐家们也做出了讨论。在众说纷纭的情况下利用现象学美学就能对此问题加以解决。结论中说道，乐谱从某种程度上讲是对创作与表演的一种记录形式，可是人类作为一种独立的个体，具有相当强的灵活性与多变性，这是随着意志与需求进行改变的。而且相同的音乐作品也会出现演绎上的差异，演唱者在保留了作曲家原有的精神下，将个人感受融入到歌曲当中，就会形成很强的个人风格。就用《我爱你祖国》这首歌为例，这首歌就曾被很多演唱者演绎过，每个演唱者都会呈现出不同的感觉，其中让人印象最深刻的就是叶佩英老师曾经演唱过的版本，相当富有艺术色彩又充满爱国热情，让人印象深刻[4]。还有，呼斯楞演唱的《鸿雁》，作者实在不舍兄弟之间情谊以及思念家乡时所写下的歌词，作品中“天苍茫，雁何往，心中的是北方家乡”就是对家乡的思念。这些独特的演唱都让人们感到印象深刻。
随着时代的发展，现代美学也进行了一定程度上的发展，出现了许多新的分支，在这其中就有释义学，虽然它是发展中才形成的，但是也为现代美学发展带来了生机与血液。很多人一直以为狄尔泰是提出释义学美学的第一人，因为它不仅将历史进行了最大程度的真实还原，还将历史进行了一个客观的解释，可是对于声乐表演艺术却只字未提，没有涉及。释义学美学在不断发展下，已经在二十世纪被正式纳入了音乐的表演艺术中。而完成并开创这种形式的则是克莱茨施玛尔，在其大力的推进下，声乐表演艺术也靠着释义学美学得到了快速的发展[5]。另外，当时的声乐表演也非常具有时代性，与当时的社会背景与时代风气能够很好的加以融合。可是由于当时一些不可抗力与其他因素的影响，让此种音乐并没有深入到音乐的本质当中。一直到伽达默尔提出了具有深刻性的音乐作品，才让释义学美学的相关作品，开始受到人们的喜爱。
现在关于现象学美学的研究者们认为，在现象学美学研究的所有对象中，都有一个共同的特点，就是意向性非常强，当然艺术作品本身就是一个意向性较强的事物。这种情况，就会为表演者的表演提供了难度，表演者不仅要有扎实的音乐基本功，还必须具备丰富的艺术创造性以及历史知识。这样才能完成一次对声乐作品合理的二次加工，然后将这部艺术作品尽可能的进行合理修改，让其可以发挥它的最大意境，从而完美的展现在广大的观众面前。
音乐作品的存在状态相对特别，它是一种非语义性的存在，却又蕴含着无比丰富的寓意。表演者在进行声乐表演的过程中，不仅要将自身的情感抒发出来，更要将作品本身的意义进行最大化诠释。在这方面，如果用现代美学的眼光来看，声乐的表演并不是对乐谱的呈现，而是要给作品第二次生命，将自己的情感与心情全部都寄托在作品中，让观众能够深刻的进行感受。
综上所述，现代音乐美学派系较多，而最为主要的两部分也就是现象学与释义学两种学派，声乐表演艺术的发展就是通过对这两种学派的理解和延伸，并保证了长久的音乐发展道路。现在是新时代，对于声乐音乐需要更多不同的声音，不同的思想，年轻的音乐人不应该将自己的思维局限于乐谱和乐器中，因为那些都只是你创作的工具，真正的主人是你自己。只有现代风格浓厚的创新性音乐才能得到长足的发展，将现代音乐美学完美的融入到声乐当中，才是发展的硬道理。
[3]刘承华。中国古代声乐演唱美学的历时性展开——从《师乙篇》到明清“唱论”的历史演进轨迹[j].南京艺术学院学报（音乐与表演版），2015,(2):7-14.
声乐艺术与人才工程论文
内容摘要：中小学开展全面素质教育是国家一项重要国策，是未来中国成为世界强国人才储备的战略计划。面音乐教育的功能正是对人才的高智商、高智能．高素质的培养和形成起着无法代替的作用。
经过长期的理论论证与实践证明，音乐教育在中小学全面素质教育中的功能和作用得到了由上至下的认可。在中国未来高智商、高智能、高素质人才培养中，音乐教育起到了不可估量的作用。它不仅具有美育功能，更重要的是它能开发人的智力智商，促进人的感性能力、理性能力均衡发展。因此，如何有效地开展中小学音乐教育，是进一步深化音乐教育改革，提高音乐教育质量和功效的重要课题。
一、农村中小学音乐教育状况分析。
近十几年来，中国一些农村音乐教育发展十分迅速，教学条件教学设施日新月异，教材内容不断修改和补充，教师轮番进行专业培训和学习，音乐教育有声有色，成绩可喜可贺。但也应看到还有一些农村中小学，因经济困难文化落后，音乐设施教育质量至今还停留在二十年前的状况。学校只重视文化科目，不重视全面素质的培养。繁重的作业、满当当的课表、考试分数的排名、毕业班的升学率、使同学们几乎没有休息日，青少年的青春朝气活泼天性在日复一日的压力下逐渐消失。看到的是目光呆滞少言寡语、疲惫不堪缺少活力。这种现状如果发展下去，将会影响他们的身心健康和成长。
的确，音乐教育的良好环境和先进的音乐设施需要经济基础。特别是当今光学电学在艺术领域的广泛渗透，创造出许多艺术门类，如能引进音乐教育使用，一定能丰富音乐教育形式，并能提高学生的兴趣。然而，现代化的音乐设施对于那些经济落后的农村中小学只能是望洋兴叹，可望不可及。根据调查，农村中小学的音乐教育仍然存在不少问题：教育经费紧缺、教育设施简陋、缺乏可行性教材、教师素质偏低、音乐教育几乎是空白。面对农村中小学存在的实际困难，素质教育搞不搞、音乐教育要不要?如何改变这种状况?这是值得人们研究和思考的。
二、引进声乐艺术是解决农村中小学困难的最好方式。
中小学开展全面素质教育是国家一项重要国策，是未来中国成为世界强国人才储备的战略计划。而音乐教育的功能正是对人才的高智商、高智能、高素质的培养和形成起着无法代替的作用。农村中小学占全国中小学很大的比例，农村中小学是培养青少年的重地，也是未来人才的摇篮，决不能因为经济困难，设施简陋就坐等视之，降低标准。当前，当务之急是要根据当地的实际情况，因地制宜因势利导，依靠现有的条件，把任重而道远的素质教育开展起来。而引进声乐艺术这一得天独厚的教育形式，既能解决农村中小学教育经费紧缺和不足，又能填补农村中小学音乐教育的空白。
三、利用声乐艺术开民展中小学音乐教育有三大优势。
声乐作品从中到外、从古到今数量之多是任何一种音乐体裁无法相比的。那些形式活泼富于口语化的儿歌童谣，那些情感充沛富有民族特点的名曲名作，那些催人奋进清晰明快的校园歌曲，那些细腻典雅的名诗古曲，还有那些形式完整和声简洁的青少年合唱曲、重唱曲、齐唱曲等，如同浩瀚大海取之不尽、用之不竭。为中小学音乐教育创造了充足的育人资源。如果我们对那些内容健康的，形式活泼的，艺术性思想性高的，适合学生年龄特点的作品加以整理和开发，并编写成由低年级到高年级完整的声乐艺术素质教育教材，再纳入农村中小学音乐教育中，就会使农村中小学音乐教育在形式上、内容上、功效上有可靠的音乐教育教材依据。而系统的、完整的、科学的、切实可行的音乐教育教材是进一步推进农村中小学音乐教育的重要保证。
声乐艺术不仅有着丰富的育人资源，更重要的是它具备更充分更直接的育人功效。众所周知，在所有的音乐作品中，只有声乐作品是音乐与文学相融的艺术。作品中的歌词创作大多数是从先进文化、先进思想、各个领域中提炼出来的，其内容健康，语言精典，具有很高的文学性与艺术性。作品中的音乐创作则是形式完整，简洁明快，音调清新，形象生动，加之与歌词的融会贯通，丝丝相扣，唱起来朗朗上口，易懂易记。由于声乐作品中的音乐相对简洁易懂，由于歌词带有解释作品音乐的意义，使得声乐作品在艺术上更贴近人的现实生活和思想。学生在歌唱中更容易理解作品，感悟作品，接受作品的艺术与精神，更容易从作品中发现自我，启发自我，激发自我内心的感受和真情。从而促使学生的审美能力、感性能力、理性能力的良好发展。
优秀的声乐作品从音乐到歌词，无论是坚定有力积极奋进，还是轻松自如欢快跳跃，或者细致入微委婉抒情，每一首作品的深刻和细腻，每一个音乐形象的音韵和意味，都能真实可现具体可感。学生在歌唱时，通过对一首首作品的分析与理解，对音乐内容的体验与感悟，使得音乐与心灵，艺术与现实，人与作品融会贯通。学生既是发声体，又是审美感受者，同时也是受教育者，从个人到艺术，从艺术到现实，形成一个互动的素质教育过程。而这个过程正是学生感受美、欣赏美、汲取美、提炼美的审美过程。也是听知、认知、感知的过程。只要认真坚持下去，久而久之，潜移默化，人的质量逐渐会发生根本的变化，许多优秀品质将会由此培养起来。可见，声乐艺术引进中小学音乐教育有着最直接、最充分、最好的育人功效。
3，声乐艺术有着得天独厚的条件——人声乐器。
利用人声歌唱艺术进行素质教育，最大的优势在于它是用人的天然噪音进行歌唱的。不需动用一分钱，学校就拥有一大批人声乐器，并可以用之开展音乐教育。农村中小学采用声乐艺术教育并不是培养歌唱家，而是以素质教育为目的.。所以在嗓音条件上、外部形象上、音乐素质上无需专业化条件，无论是谁，只要愿意都可参与歌唱。在专业技术上、专业能力上不需要很高深的水平，经过短时间的视谱训练与歌唱发声训练，大多数学生都可参与歌唱了。教师可根据不同的年龄和能力给于学生不同程度的作品，参与不同的歌唱形式。如：大合唱、小合唱、表演唱、重唱、领唱、独唱等。由于歌唱是个人操作自我乐器，所以，在组织活动时不受设施条件限制，不受经济条件约束，随时随地只要需要，都可进行排练与歌唱。在与其他音乐形式相比，它比任何一种音乐教育的形式都要省时省力和便利。另外，在中小学采用的歌唱形式大多数是集体合作的艺术形式，如：大合唱、齐唱、小合唱、表演唱等，而集体训练集体创作的歌唱形式更能互相感染，互相交流，互相鼓励，也更能够活跃气氛，容易造成愉快的艺术氛围。所以，学生们的参与性积极性也会更高。因此，农村中小学虽然存在着经济困难艺术设施差，但只要从思想上改变观念，很好地引用人声歌唱艺术，就能克服困难，改变现状，农村音乐教育一定会活跃起来，也一定会有很好的音乐教育功效。
四、声乐艺术育人功效的优劣关健在于教师。
1、教师要更新音乐教育观念，明确教育目的。
能不能通过声乐艺术达到育人目的，关健在于教师的教育观念，专业素质，教学水平。声乐艺术是通过作品视谱、作品赏析、作品感悟、审美渗透、自我操作与歌唱达到育人效果的。然而，一些农村中小学音乐教师对声乐艺术的功能和作用并不真正明确，往往把它理解成普通唱歌课，对曲目的优劣、审美价值，并没有严格的筛选和把关，对于歌唱艺术中的基本技术问题，知识问题，教育意义没有严格认真的教学态度，缺乏科学的教育方法和手段，甚至随便找首歌教唱就算应付了事，以致于使学生缺少对音乐教育的了解和兴趣，缺乏参与音乐教育活动的热情。因此教师务必认识到音乐教育的重要和意义，务必认识到声乐艺术的教育功能和作用。更新教育观念、明确教育任务，有目的、有方法地开展音乐教育活动，才能使声乐艺术在音乐教育中发挥更大的作用。
2、教师要有良好的专业素质与专业能力。
声乐艺术引进中小学音乐教育，虽然不能以专业水平要求学生，但最基本的识谱能力、歌唱常识应该具备。学生在歌唱中要有良好的发声习惯，不能挤着唱喊着唱，声音要通畅，吐字要清晰，要有气息支持。作品中的节拍节奏，音准速度等都应准确规范。达到这些要求并不难，因为中小学使用的作品篇幅不大，音乐也并不复杂，只要耐心细致、科学地进行训练，在不长时间内学生都能具备一定的歌唱能力。另外，中学生正是变声期的年龄，在教学中要特别注意保护学生的嗓音健康，要有一定的保护措施，要有变声期嗓音训练方法。专业技能是声乐艺术教育的基本要素，是声乐艺术达到良好教育功效的可靠保证。可见，在中小学声乐艺术教育中，专业技术上也有一定的要求。如：视谱问题、发声问题、变声训练问题、表达作品问题等。这就要求教师必须提高自身专业素质，增强专业能力，才能适应音乐教育的发展和要求。
3、教师要有良好的文化修养与艺术修养。
声乐艺术是通过对歌词的理解对音乐的感悟以及训练有素的嗓音进行歌唱的。是培养音乐感受能力与情感认知能力以及情感表达能力的最好育人方式。成功的声乐艺术教育不仅能使青少年得到良好的审美教育，同时还能促进他们的个性、意志、思维、听知、认知、感知等全面素质的发展。因此，教师不但要掌握大量的声乐作品，还要熟知作品的艺术性和教育性；要具备分析与鉴赏作品的能力、处理作品和把握作品的能力，以及表现作品的能力；要加强文化修养和艺术修养，提高艺术鉴赏力，更新教育方法，只有这样才能在教学中艺术地为学生赏析每一首作品，艺术地引导学生去感受音乐内涵，艺术地启发学生艺术表现力，使学生接受到真正的艺术教育。
农村中小学音乐教育能不能改善和发展，声乐艺术能不能产生教育功效，关健在教师。应该看到一些农村中小学音乐教育长期处在低谷状态，最大的原因是一些音乐教师自身的问题。是教育观念落后，专业素质、教师能力、文化修养偏低造成的。如果不能从根本上解决问题，无论什么形式的音乐教育都不可能产生功效，农村中小学音乐教育就会一直在低能水平上徘徊，全面素质教育也是一句空话。因此，这些地方的教师务必尽快行动起来，首先接受正规的、良好的专业教育，提高自身文化修养和专业素质，转变音乐教育观念，明确音乐教育任务与目的。建立高度的责任感，承担起艺术教育的重任。
五、结束语。
从教育发展的趋势看，当代教育观念正在发生着深刻的变化，对于人才的培养和衡量，越来越注重素质的全面性、主体性、创造性，声乐艺术作为一种音乐教育形式介入，它不仅解决了农村中小学教育经费的紧缺和不足，更重要的是它以自身特有的教育功能证明：它有更充分、更直接的育人资源和育人功效。但是作者深知声乐艺术并不是唯一的音乐教育形式，并不能代替其他形式的教育特点和作用。但是声乐艺术在中小学素质教育中确实有着极其重要的地位和作用，这是不以人的意志为转移的。本文的意义在于从农村中小学音乐教育实际状况出发，分析并指出农村中小学音乐教育中存在的问题和困难，探讨适合农村中小学音乐教育的形式与方法，并提出利用丰富的声乐艺术教育资源，利用人声嗓音这一天然乐器，开展农村中小学音乐教育是目前农村中小学音乐教育最好的艺术教育形式。如能重视和采纳，农村中小学音乐教育一定会有大的起色和成效，素质教育也一定会得到更大的发展。
当代艺术作品鉴赏论文
【】戏剧艺术在中国文学艺术中占有重要地位，它包括戏剧精神、审美情趣等，同时它在表演过程中可以有效地将中国文化特色体现出来。随着社会不断发展，戏剧艺术不断创新、完善，改变了传统的表演模式，并在发展过程中汲取大量养分，将其自身价值体现出来。要想了解戏剧艺术的真正价值，就应该加强对其创作与表演方面的认知，找到合适的鉴赏方法，从而了解戏剧艺术。基于此，本文对戏剧艺术的鉴赏进行了简单研究。
鉴赏是一种审美的再创造活动，人们在鉴赏过程中可以找到属于自己的那份情感，忘记周边的环境，融入到艺术环境中，仿佛进入了一个虚拟空间，只有这样才能真正了解其中的含义，满足人们的精神、心理需求。而戏剧在表演过程中通过直观的形式将生活展现出来，由不同的演员扮演不同的角色，为观众塑造一个全新的人物形象，赋予观众感染力，并在观看过程中感受到作品内在的神韵。
（一）贴近现代人的审美观。现阶段，我国经济水平逐渐提高，人们的生活节奏逐渐加快，传统的审美已经不能满足现代人们的观看需求。在当前的社会背景下，传统审美落后，人们在观看戏剧的过程中会产生一种浮躁心理，这种心理会直接影响戏剧的创作。要想从根本上解决这一问题，就应该将现有的创作方法进行创新和完善，做好人物形象与舞台之间的转换工作，只有这样才能满足现代人的审美需求，激发人们的观看欲望。
（二）艺术表现手段。戏剧是一门综合艺术，不同的艺术在表演过程中都有着属于自己的表演方式，这对于戏剧来说也不例外。在进行戏剧表演时，戏剧演员必须要有绝对的服从意识，熟练掌握角色的动作要领，只有这样才能将作品的真正价值体现出来。对于不同的戏剧作品，表演者需要通过不同的方式进行表演，常见的表演方式有以下几种。
1.外部行动。这属于形体表演。观众在观看演出时，可以通过演员的直观表现形式来了解其中的含义，从而满足人们的审美需求。戏剧表演时，演员的一举一动都属于外部行动。
2.语言行动。语言行动包括对话、独白、旁白等，主要体现在台词上。在戏剧表演中，人物之间的对话对于情节发展有着非常重要的作用，是表演中不可缺少的一部分，它可以有效地促进人物之间的交流，而这种交流方式在观众观看表演时会产生一定的冲击力。
3.静止行动。静止行动在整个戏剧表演中又被称作“停顿”，可以有效地将演员的内心情感展现出来。然而，在其表现过程中首先要做好铺垫工作，保证观众在欣赏戏剧的同时可以了解不同人物之间的关系，将戏剧冲突体现出来，从而挖掘其潜在台词。
4.音响行动。音乐可以有效刺激表演者的心理，让表演者在表演过程中将内心情感完全释放出来，进而很好地传达给观众，保证观众在观看表演时了解作品的内涵。
（一）多次阅读剧本。在欣赏一部戏剧作品时，要想领悟它的思想主题，就应该反复阅读剧本，了解戏剧的整体结构，只有这样才能保证在欣赏过程中真正了解每个环节所表达的真正含义。
（二）理清戏剧冲突。戏剧作品在表演过程中包括了大量的戏剧冲突，这些冲突可以有效地将作品的真正魅力体现出来，推动剧情发展，让人们了解作品的真正含义。常见的戏剧冲突主要由人与人、人与物、人与环境构成，不同的人对于社会、事物、环境有着不同的感悟，只有这样才能将其中的矛盾体现出来。
（三）把握人物形象。人们在观看戏剧作品时，会根据其中的人物、行动产生不同的见解，这些见解对于人物的塑造有着非常重要的意义，它将作品真正的价值体现出来。另外，观众在欣赏戏剧时，还可以通过不同的人物心理来了解整个作品内容，了解该人物各个环节的“行动”，对演员塑造的人物性格进行准确把握。
戏剧艺术在其发展过程中会不断汲取各方面的养分，只有这样才能将它真正的价值体现出来，从而促进我国传统文化的快速发展，让文化精神得到传承。然而，戏剧的鉴赏方式也存在着一定的特点，要想真正了解戏剧艺术，就应该先了解艺术作品自身特征，通过自己的眼光进行判断。
[2]林玲。微课在高职公共艺术课中的设计与运用——以《戏剧鉴赏》课程《暗恋桃花源戏中戏的离间效果》为例[j].课程教育研究，2016,35:132.
艺术鉴赏教育论文范文优选
〔摘要〕任何一种艺术作品的产生，都只是艺术活动的最初阶段，在艺术作品完成后获得读者的接受与认可，才使艺术作品价值与潜能真正发挥。从各种艺术的表现形式来看，书法艺术鉴赏具有一定的特殊意义。无论是从创作还是从价值属性来看，都具有其它艺术作品所不能具备的艺术性能。在临摹创作的过程中，书法鉴赏具有一定的应用价值与启示。本文就书法艺术鉴赏对临摹创作的启示进行分析。
〔关键词〕书法艺术鉴赏临摹创作启示。
针对书法艺术鉴赏，不同的人对此持有不同的看法，古今往昔对此都有大量文字对此进行阐述，部分文字在阐述书法艺术鉴赏的过程中赋予其一层神秘信息，传递出一种不可言说的意思。但是书法艺术鉴赏是否存在一定的标准，每个学者在依据自己实践的基础上产生不同的观点。从客观上而言，书法艺术鉴赏的标准存在于客观形式中，无需进行大量的笔墨进行主观判断。但是无论如何，书法艺术鉴赏存在的价值是不可否认的。
一、书法艺术鉴赏价值。
从某种意义上来说，书法鉴赏属于进行感性与理性复杂心理活动的过程，同时也表示个体欣赏对象价值活动过程，属于主题的知觉、理解、想象、情感等诸多功能的综合。论述书法艺术的鉴赏功能，其通常体现在以下几方面。
1.文本与书艺相互照应。
书法作品的内容是文本，书法艺术则指的是艺术形式，也就是书体。不同于文学、戏剧以及绘画等艺术形式，书法艺术就是将抽象的线条造型艺术，促使其与文本内容交相呼应，各领风骚，又浑然天成，这种形式就是心理学层面上的知觉的内在统一。书法艺术的本质其实就是将汉字点画的书写与字体结构反映客观事物形体与动态的一种意象美。读者在欣赏的过程中，美感就是价值的判断。这样一种意向是人们从感觉上把握作品形式获得感觉，同时也是读者对文字所承载的内容体悟，这两相互联系又具有区别，从本质上来说，美感就是一种价值判断。因此，书法鉴赏其实就是文本内容与文字载体相互交映的一种美感体验。书法艺术不仅符合一般意义上形式与内容的辩证关系，同时又具有特殊性。通常情况下，书法鉴赏的形式就是内容的载体，形式服务内容，其表现的主题就是内容。同时书法艺术将书法内容作为载体，其艺术表现的主题是作品形式的抽象意向，是一种内隐性较强的主观情感过程。但由于书法以汉字为媒介或载体，汉字又是思想表达的工具，当书法作品映入受众眼帘，受众在感觉汉字“形”的刺激时，是与知觉汉字的“意”的过程相随相伴的，故书法艺术鉴赏必然是文本与书艺的相提并重，互濡尽染。
2.外在形式与内在情感相互统一。
音乐美学声乐艺术论文
音乐艺术作品属于一类有机整体，经过了审美和非审美式的整合处理。特别是在同一作品当中，这类融合更加有倾向性。譬如一些轻音乐或是抒情曲艺术作品，重点凸显审美价值，却对一些非审美价值进行弱化处理。现代音乐艺术展现形式更加注重审美、非审美价值的自然融合，毕竟只有两者高度统一之后，音乐作品才显得更为优美动听且富有内涵。归根结底，就是借助特殊的审美滤镜，来将一些科学知识、道德价值观等非审美价值要素巧妙地穿插进去，使得音乐作品本身的魅力增强、内涵更加丰富。
另外，保持音乐艺术内容和形式的统一关系。完美的音乐艺术作品，其内容和形式往往彼此关联缜密，相互契合[3]。事实上，音乐艺术作品在内容上显得比较独特，主题明确，而为了更加精准、完整地表达这部分音乐内容，就要求适当的音乐形式作为支撑。所以说，许多创作家都习惯了基于内容和形式的依存、制约关系来展开补充式创作，利用音乐形式把控着音乐内容的描述，配合音乐内容锁定音乐形式的筛选方向，不至于在表现过程中出现情感突兀、节奏紊乱等不良现象。
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这类内容具备一定程度的主观性色彩。首先，绘画性内容，顾名思义，就是配合人的听觉感受来呈现出种种画面，使旋律、音响等转化成为线条、色彩，令音色成为一种时尚造型，进一步丰富听众的音乐世界。其次，文学性内容，存在于创作者的音乐表现还有听众的主观想象当中，其涉及过程、冲突、情绪三个层面，需要创作者借助节奏、音响等细节变化，来进行文字化的抒情表达，配合音乐主题来模拟对应的现实情境和情节，并使用某些音调来演绎出一系列事物等等。