活力警察工作心得（优秀17篇）

我国的民族声乐艺术历来就重视，讲究歌唱发声的共鸣和共鸣作用，追求“声如洪钟”的演唱效果。良好的歌唱共鸣能使演唱的声乐圆润响亮是有穿透力，传送较宽、较远、较久，并且具有丰富的色彩变化。歌唱共鸣的训练和运用是表现歌曲内容和情绪的有力手段，也是声乐艺术的一个极为重要的组成部分。下面是小编为大家带来的民族声乐演唱的共鸣技巧，欢迎阅读。

我们在歌唱中声音缺少共鸣往往就会显得单薄无力、缺少色彩。如乐队吹奏的小号。如果我们把号嘴取下来单独吹，声音会很弱小，也传送不远，但是把号嘴装到小号的号身管上吹奏，声音就马上明亮清脆，丰满动人了，而且还能够传送得较远较广。这是为什么呢?这就是声音在号管里得到了共鸣的结果。

声学中由声波作用引起的“共振”现象叫“共鸣”。歌唱的共鸣，是指歌唱发声时，气息冲击声带振动产生的音波，通过声带附近的肌肉，软骨和空气的传递，使口、头、胸等腔体里的空气产生共振的现象。声带振动所发出的音叫做“基音”。基音是很微弱的，经过人体共鸣腔体的共鸣使用后，不仅可以变得响亮洪大，优美动听，还可以有穿透力，更远更广。良好的声音共鸣对音量的扩大，音色的改善和声音的传播都有很大的帮助，所以在歌唱中如何获得运用这些共鸣就是我们需要研究，探讨的问题。

在歌唱中要取得比较好的共鸣，首先要注意各种分发声器官的协调配合。怎样才能使各部分发声器官协调配合呢?我个人认为，有以下一些歌唱共鸣方法：

口腔共鸣是各共鸣腔体中最方便得到的共鸣和最容易感受到的共鸣，也是声音从喉咙里出来后进入的第一个共鸣腔体。口腔共鸣的要求：口腔按照吸气和打哈欠的状态上下自然张天，下巴，舌头和喉头自然放下，微提笑肌，上口盖有上提的感觉，包括软腭和上舌都有上提的感觉。气息冲击声带振动发出的基音通过声带附近的肌肉，软骨，气息的传送使声波沿着硬腭向上齿背方向运动，这就使得口腔里的气息离开喉咽部位，流畅向前，引起口腔的前部和上部振动(在硬腭前部集中反射)，这种共鸣效果明亮靠前。这样也减少了声音在咽喉部位的振动，减轻了咽喉部位的负担，喉头也就得到了放松，喉头及声带等发声器官也就受到了保护。口腔共鸣使声音丰满，音色优美。

口腔共鸣是胸腔共鸣和头腔(鼻腔)共鸣的基础，同时歌唱的咬词吐词是由口腔，舌头及咽喉等来先同完成的，所以口腔的张开应该是以咬字吐词的状态为基础适当张开。过分的追求口腔张大会带来歌唱语言的不准确不清晰，造成歌声下语言脱节分离。

头腔共鸣也有称为鼻腔共鸣，头腔共鸣的要求：在口腔共鸣的基础上，把声波在口盖硬腭上的集中反射点稍向后移动一些，把软腭放下来，像是把上牙床往上提高一些，同时软腭和小舌也随之上抬，大舌根下放一些的感觉，这样口、鼻、咽腔之间的通道和空间更宽广，声波便由上腭骨传递到鼻腔及鼻腔上部的诸窦里，并回荡在这些腔体中，使整个头腔共鸣比较丰满。但要注意一点，不能把声音直接从鼻腔里送出来，否则就会产生鼻音。头腔共鸣使声音获得明亮的色彩，是有穿透力。

声波在鼻腔及其上部的诸窦里形成的头腔共鸣是高泛音的共振，使歌声具有丰富的泛音色彩和高位置，音色透明。同时声波共振远离喉头，声带，也就减少了喉部的负担和用力，使演唱的功能持久。

不少人认为胸腔共鸣只在低声区运用，其实高、中、低每个声区都包涵有胸腔共鸣的成分，只不过是所含的比例不同。缺少胸腔共鸣的高音，必定是单薄尖锐，僵硬紧张的。

胸腔共鸣的要求：咽喉腔作半打哈欠状态发声，把口腔共鸣在硬腭声波振动的反射点移动到下牙背上(上胸还有一点下塌的感觉)，使声波在喉头和气管附近引起更多的振动，然后再经过管传递到整个胸腔而产生共鸣，感觉好像把声音唱到胸部去了一样，这时手掌按住胸口，会感觉到有种轻微的`颤动。但要防止故意把声音下压，过分追求胸腔共鸣，会导致咽喉肌肉紧张，压迫喉头，产生喉音。共鸣度好的声音是共鸣器官的相对放松，使气息自然流动获得的，任何的压迫，绷紧只会适得其反。

人体的共鸣腔体是一个完整体，在歌唱中这三个腔体是相互联系，互相配合的。缺少其中任何一部分的参与，都会影响整体的共鸣效果。但是在运用三个共鸣腔体时，又必须注意以口腔共鸣为主。原因是：声带振动发出的基音是很微弱的，首先在声带附近的共振中获得共鸣，而口腔是声音和气息的主要通道，离喉头声带较近，所以口腔共鸣能够比较容易，比较快获得;其次，口腔中的唇、舌、齿、喉、下腭、软腭等都是咬字吐词的器官，在歌唱时，随着语言和情感的变化，口腔内各发声吐字器官也要敏捷灵活地作各种不同的调节，才能把歌词发得准确清楚。只有正确地调节运用口腔共鸣，才能更好地结合头腔，胸腔共鸣，使各共鸣腔体的共鸣保持一定的平衡，使歌声的共鸣比例调配恰当，这样歌声的效果才会丰满优美。实际上，当声音从声带振动发出来以后，经过喉腔、口咽腔、口腔、鼻腔及鼻腔上方诸窦和气管胸腔等共鸣腔体，基音的音波已经不断地扩大美化，当它从口腔发出来时，已经包含着头腔，口腔，胸腔的混合共鸣。只是随着声音的高低、强弱、各共鸣腔体共鸣的比例不同。

我个人认为，所谓共鸣区的统一，就是指运用胸声区(低声区)，混声区(中声区)和头声区(高声区)来发声时，共鸣腔的使用要调节得当，各个声区的比重虽有所不同，但每个音都要有整体共鸣的色彩。共鸣的调节，是歌唱发声的需要，更是音色变化的需要。因为歌唱的共鸣是以泛音共鸣为主，三个腔体的灵活调节对音色的影响很大，变化也是多种多样的。中声区缺少头腔共鸣的声音是“扁”的，而高声区只有头腔共鸣的声音是尖锐单薄的，低声压只追求胸腔共鸣的声音是喉音。因此，在歌唱的训练和演唱时，必须注意共鸣区的统一协调，也就是要有比例恰当的混合共鸣。这个问题解决好了，共鸣区的统一问题就解决了。所以，只有善于调配各腔体的共鸣比例，才可能在统一共鸣区的前提下，进一步发挥各共鸣腔体的特点，使音色具有丰富多彩的变化，较好地达到歌唱艺术的目的。

在歌唱时如果单纯追求某一咱共鸣，势必会造成声音的单薄乏力，损害歌声的整体效果。如唱低音时，若片面地追求胸腔共鸣，就容易产生压喉的现象反而影响声带的振动，使胸腔副紧，声音粗造发虚。唱中声区，苦片面地追求口腔共鸣，声音就容易“发白”，缺少厚实结实的色彩，也缺少上下声道管道的连接畅通。唱高音时若片面追求头腔共鸣，声音社会缺少扎实的基础而单薄尖锐，甚至出现晦暗的鼻音。特别是女声，如果只运用单一的头腔共鸣或口腔共鸣，就会产生声音声区的不统一，音区音有明显的痕迹，也就是平常大家所说的真假声声结合不好，互相打架。

歌唱声音整体共鸣的获得，是靠长期的声音训练去仔细体会琢磨，在实践中不断认真总结提高，需要我们不懈的努力和学习才能达到。

1、民族声乐艺术的演唱声音提倡明亮靠前的共鸣位置，注意在演唱时不要过份去追求喉咽腔的共鸣，因为喉咽腔紧靠声带，这个部位的共鸣用多了，不仅造成喉音过重，还容易出现压喉现象。更重要的是会使喉部肌内疲劳，并且影响声带，使声带充血失去弹性，失去正常的歌唱机能。因此在歌曲的练习和演唱中，首先要使中声区的声音自然放松，明亮饱满，注意向上与头腔、向下与胸腔联系起来，获得较好的整体共鸣，这样才能使声音的音色，位置，音上下统一，唱出的歌声优美动听。

2、歌唱时共鸣腔体的共鸣运用，必须与咬字吐词结合起来。特别是民族声乐艺术的演唱是非常讲究字音的清晰准确和演唱时字意的表达。如果只片面强调共鸣，而忽视咬字吐词的准确，就会出现音包字的现象，吐字不清，咬字无力，听众不懂演唱的词意和内容，也就失去了歌唱的目的和意义。所以歌唱的共鸣应该建立在清晰、准确的咬字吐词的基础上，二者是统一的。

3、良好的共鸣是歌唱发声的各部分器官协调配合，正确运用两肋隔肌式呼吸方法取得的。因此要防止单纯去追求共鸣而忽视其他歌唱发声器官的协调和统一，不然会造成声音不必要的僵硬做作，实际共鸣也就不丰富充实了。正常的歌唱状态和良好的共鸣，是人体整个歌唱器官互相配合协调运动的结果，片面单纯地去追求一部分效果，反而破坏整体的协调达不到应有的目的。

歌唱的共鸣和歌唱的呼吸，发声一样，都是歌唱的一种技能手段，技巧方法，是为表现歌曲的思想内容和艺术风格服务的。歌唱的共鸣主要以音色的变化来表现和丰富歌曲的思想内容和艺术色彩。所以在歌唱时共鸣的运用，必须从歌曲的主题内容和歌曲表现的情感出发，防止盲目片面的追求共鸣，脱离实际内容只去追求声音，在歌唱的吐字行腔中真正达到声情并茂。

总之，歌唱时能运用好共鸣，能使我们的演唱的声乐圆润响亮具有传透力，传送得即更具有空透力，反之，就会显得又远又宽，并且具有丰富的色彩变化，使我们的演唱更加完美。

良好的歌唱共鸣能使演唱的声乐圆润响亮是有穿透力，传送较宽、较远、较久，并且具有丰富的色彩变化。歌唱共鸣的训练和运用是表现歌曲内容和情绪的有力手段，也是声乐艺术的一个极为重要的组成部分。明代朱权在其声乐理论著作《词林须知》中指出：“伏伶以之，唱若游云之飞太空，上下无碍，悠悠扬扬，出其自然，使人听之，可以顿释烦闷，和悦性情，得老以之，故曰：“一声唱到融神处，生骨萧然六月塞。”这段话既是对优美歌声的总结，也是顿释烦闷，和悦性情，得老从之，也是对共鸣音色的肯定。同时，明代王骥德在其声乐理论著作《方诸馆曲律》中也写道：“闭口者，非启口即闭，从开口收入本字，却徐展其音于鼻中，则歌不费力，而其音自闭，所谓‘鼻音’是也”。这里所说的“鼻音”，并非我们现在所说的错误发声的那种晦暗的鼻音，而是鼻腔共鸣，也就是发闭口母音。充分地运用鼻腔共鸣，发声也就通畅舒展，不会挤紧费力。可见我国的民族声乐艺术历来就重视，讲究歌唱发声的共鸣和共鸣作用，追求“声如洪钟”的演唱效果。

歌唱是一门艺术，要想提高儿童表现歌曲的能力，应给予他们唱歌技巧的训练，训练的内容包括：唱歌的姿势、呼吸、发声和咬字等各方面的要求。你知道声乐的演唱技巧有哪些吗?下面是小编为大家带来的声乐的演唱技巧的知识，欢迎阅读。

正确的唱歌姿势，不仅是歌唱者良好的心态的表现，而且还关系到气息的运用，共鸣的调节以及歌唱的效果，在训练时，应让学生养成良好的演唱习惯，做到两眼平视有神，下颌内收，颈直不紧张，脊柱挺直，小腹微收，腰部稳定。

首先是吸气，在做呼吸练习时，先做好正确的演唱姿势，保持腰挺直，胸肩松宽，头自如，眼望远处，从内心到面的表情都充满情意，然后，“痛快地叹一口气”使胸部放松，吸气时，口腔稍打开，硬软腭提起，并与提眉动作配合，很兴奋地以后腰为主，将腰围向外松张，让气自然地，流畅地“流进”使腰、后背都有“气感”，胸部也就自然有了宽阔的感觉，比如用“打呵欠”去感觉以上动作。

但呼气时不准过深，否则使胸、腹部僵硬，影响发声的灵活和音高的准确，吸气时不要有声响，反之不仅影响歌唱的艺术效果，还会使吸气不易深沉，影响气息的支持，所以，在日常生活中要养成两肋扩张，小腹微收的习惯。

1、做获得气息支点的练习，体会吸与声的配合，利用科学的哼唱方法，体会并调节自己的歌唱共鸣。

2、学会张开嘴巴唱歌，上下齿松开，有下巴松松的“掉下来的感觉”舌尖松松地抵下牙。

3、唱八度音程时，从低到高，母音不断裂连起来唱，口咽腔同时从小到大张开。

4、气息通畅的配合，发出圆润通畅自如的声音。

发音练习的.目的，归根到底是为了更完善地演唱歌曲，所以必须要注意咬字、吐字的清晰，正确地掌握语言的回声，明确汉字语言的结构规律，将歌曲曲调与咬字吐字结合起来练习。练唱时，将每个字按照出声引长归韵的咬字方法，先念几遍，再结合发声练习，以字带声，力求做到字正腔圆，声情并茂，演唱时发元音的着力点，应尽量接近声区的集中点，使三个声区的共鸣得到衔接和灵活调整。

歌唱艺术是声音与文学相结合的艺术，我们唱好歌曲，不能只讲声音，不讲感情，反之也不行，我们应对歌曲的思想内容、表现手法以及词曲作者、歌曲的时代背景，有个全面的了解和分析，再进行适当的处理，把歌曲的艺术形象准确完整地再现出来，达到以情带声，声情并茂。

少儿声乐可以简单的理解为少儿歌唱，但是又远远没有那么简单。今天小编就给大家讲讲儿童声乐演唱技巧，希望大家喜欢。

首先，在教学术语的选用方面，要采用大胆的设想、形象的比喻与描述的手法，把抽象的方法、位置和感觉具象化，并用十分简洁的语言表达出来。

最好具体到某一物象，用一句话或一个词汇来表达，甚至还可以用手势、动作来表达。用很简单的词汇代替繁琐的理论，发挥儿童的优势，避开儿童的弱势，把复杂抽象的声乐教学变得简单而轻松，简洁、形象、准确的教学术语，是打开儿童声乐思维之门的“金钥匙”。

气息训练是指腹式呼吸训练和歌唱时的气息保持训练。从气息训练开始，是指在正式声乐训练前，应对儿童进行必要的歌唱气息的准备训练，使之先体会到气息的位置，形成一定的气息概念与实践经验。这样，在以后的'声乐训练中，儿童可以自觉地用上气息，或在教师的指导下，很快把气息与其他的方法融为一体，在声乐学习中起到事半功倍的效果。

有步骤分层次地展开教学，是指根据儿童思维的特点，教师要把气息、喉头位置、声带感觉和头腔共鸣等方法根据儿童的学习程度和理解能力，按照从易到难、先分后总的顺序，分层次、分阶段地进行训练。

对于每个具体方法的学习，都要先做独立的专门训练，再与其他方法相结合，而不是所有的方法一拥齐上，避免儿童因不能控制多种意念，顾此失彼而找不到感觉，教师只要在当前的训练内容不受影响的前提下加以肯定，就能收到“鱼和熊掌兼得”的效果。

儿童的声带短、薄、韧性差，十分稚嫩，在儿童声乐教学中要时刻注意的就是保护儿童的声带。

保护儿童稚嫩的声带，不仅要以正确的发声方法、巧妙得当的教学方法以及对错误发声的及时纠正来完成，还要求在声乐训练的时间、强度和歌曲的难易程度上加以把握。因为，即使发声方法正确，长时间的训练也会使声带疲劳，粘膜受损;即使发声方法正确，大声或高声的重机能发声也会增大气流对声带的冲击力，增大声带的张力。对于儿童稚嫩的声带，长期这样的训练是难以承受的，会导致声带粘膜充血，声带局部增厚，声带小结等病变。

因此，要根据儿童的具体情况适当地把握训练的音高、音强和训练时间。

一般来讲，儿童的声乐训练应以学习和掌握正确的发声方法为目的，以自己的自然声区为基础，音域不超过一个半八度，中等音强，尽量使用轻机能唱高音，每次的训练时间在半小时左右，并且中途要休息两次，让声带得到休息，恢复弹性。

另外，还要根据儿童的具体情况选择适合的歌曲。要根据儿童的音域和学习情况及演唱能力来选择在演唱中没有障碍又能充分展示其发声技术的歌曲。因为儿童刚刚学到或掌握一些发声方法，概念还没有形成，位置还没有巩固，额外的发声难度会导致儿童感觉的偏移和发声的失败。

对于初学声乐的儿童，一般选择音调适中，旋律优美、上口，没有大跳音，闭口音不多的歌曲。因为这样的歌曲不但不会给儿童增加额外的发声难度，而且还在不伤害儿童声带的同时起到巩固发声方法的作用。

自然的童声是两片短小的薄薄的声带振动发出的纯净的基音，加上口腔共鸣形成的明亮清脆的个性音色，稚气可爱，非常迷人。但这是一种自然的音色，缺少科学发声方法的支持，头腔共鸣比较少，因此歌唱时高音上不去，喊的成分比较多。

学习了科学的发声方法，加入气息和头腔共鸣，音色就会有所改变，变得圆润、浑厚，但会失去一些明亮度和稚气感。但是，解决了高音，并且头腔共鸣能产生一种饱满和通畅的感觉，因此，在儿童的声乐教学中，不能因为怕改变明亮可爱的自然的童声音色而在发生方法上有所保留。

学声乐学的就是科学的发声方法，如果因为自然的童声音色好听，就不学头腔共鸣，对儿童来讲，最终会得不偿失。因为，随着儿童身体的发育，自然的童声最终会失去，而科学的发生方法会使他终身受益，是他永远的财富。

因此，不盲目追求音高或音色，变尖亮为通透，追求童声的艺术美，把科学的发声方法放在第一位，才是儿童声乐教学的正确的指导思想。

声乐演唱时，呼吸会起到决定性作用，因此练习呼吸也是尤为重要，今天小编就给大家总结了一些练习的方法，希望大家看完之后，能够有所感悟!

想象自己处于一个美丽的花园之中，深深地闻了一下鲜花的异香——好，这就是歌唱的吸气，这样吸气得才深。吸气要用鼻和口同时自然的进行，尽力作到平稳轻巧，柔和，不可用强制力量，不能僵，气要吸得深，不可吸在上胸和心窝处。吸气以后要有像打喷嚏之前那样短暂的一憋，体会一下腰周围的扩张，膨胀的感觉。找到这种感觉是唱歌的关键。

呼气的方法就是利用横膈膜的力量把腰腹扩张的感觉一直保持住。想象自己手里拿一大瓶香油往另一个小瓶里灌时那种小心翼翼，憋住气息的感觉，呼气要均匀，舒缓。各位可以准备一张10平方大小的薄纸片，放在墙上，距离它4-6cm，吸气后保持一下，然后用口吹气使之不落地，半分钟以上便为合格。也可以代之以一只燃烧的蜡烛，对着火苗发“u”音，正确的气息是火苗倒而不灭，时间越长越好。

横膈膜的力量对气息的保持和声音的力度都很重要。

传统的训练方法有：

1.数数字

深吸一口气，利用腰腹的力量保持住，从1开始数，数到60为合格。数数要均匀要有节奏，不能偷气。

2.吹灰

深吸一口气，然后就像吹掉桌上的灰尘一样往前吹气，节奏是一慢二快，体会横膈膜的力量。

3.多做仰卧起坐，增强腰腹的力量。

如果你已经能够熟练地进行各种简单或艰深的伴奏，但是还不能开口唱的'话，那你的吉他弹唱还只学会了一半。我们前面已经向大家介绍了演唱所必须的科学的发声方法—如何才能有正确的呼吸和共鸣，希望你得到的是实用可行的方法而非一大堆空洞的理论。“好的声音是可以练出来的”。各位要坚信这一点!许多朋友总认为自己的嗓子不行，不是唱歌的料，这种妄自菲薄的观点是不足取的。原优客李林的主唱林志炫那飘逸，激越的高音定让你羡慕不已吧，可他刚开始唱歌时别人都讥笑他音色不好，歌声很难听，是通过苦练，他才有了一副全新的歌喉，喜欢吉他弹唱的朋友一定要以他为榜样!

有了科学的发声方法，是否就意味着能唱好通俗歌曲呢?答案是不一定!通俗歌曲十分讲究“情”，“字”，“声”的配合。“声”当然指的是好的声音;“字”指的是正确的吐词，规范的咬字;“情”就是要唱出感情—悲伤或喜悦，失意或甜蜜，都要从你的歌声中得以表达。这就是人们平常说的“把味道唱出来”，当然也是现在要跟你一块儿探讨的“通俗歌曲的韵味”。

1.颤音

颤音是利用气息与喉结的配合，使声音产生波动感，起伏感。这是抒情歌曲中最常用的技巧之一。颤音有很多种类。如周华健的颤音幅度适中，不大不小;齐秦爱用小颤;邓丽君，张学友则以大颤见长;而日本歌曲的特点是“先直后颤”，即后唱一段直音，再开始颤，幅度有小到大，频率有慢到快，这需要功夫。很多朋友不会这个技巧，不要泄气，这完全可以练出来的。关键是气息与喉头要配合好，千万不要只用喉头，发出一种类似羊叫的小抖音。

2.气声

在发生时，如果气先于声出，气多声少，就会发出气声。它使歌声更柔媚，更动人心魄。邓丽君的《在水一方》第一段，林忆莲的《爱上一个不回家的人》第一段也是典型的气声唱法。

3.哭腔

哭腔是目前通俗歌曲演唱中最流行的技巧之一，它是再喉间和用猛然加大气息而产生的爆发力，发出一种类似痛苦的声音。张学友，周华健是哭腔的代表人物。哭腔用的好可以增加歌曲的感染力。

延伸阅读：

1.歌唱者的整个身体、感情乃至灵魂都要绝对的兴奋，如喉咙、口咽、鼻咽、唇齿、牙关、下巴等都要稳定地充分打开，一旦发声后，这些部位不能向内用力，而应做到向外有控制地、柔和地扩张，特别是上腭和下腭要分开，下巴微向胸前贴，上腭要抬起向前，感觉要把声音努力地送到最远方。

2.歌唱的呼吸要积极有度(既不松垮，又不僵硬)地控制，要用有控制的柔和的气息支持歌唱;吸气不可太满，一般八成就足够了，歌唱发声时的呼气状态应是将腰带柔和地向外牵住的感觉，而不是象我们的有些声乐老师常讲的，用上十足的腰部力量，把腰带涨得满满的，硬硬的，更不是瘪着肚子往里挤、憋气息。用气是只能用到六成，不可用完甚至用得憋气。所以一定要锻炼合唱队员兴奋积极、柔和舒展、均匀自然的控制气息的能力。那么，身体的其它部位在绝对兴奋的前提下，则要相对的松弛，让歌声高位自然地随心灵流淌。

所有元音(a、e、i、o、u及复合元音)应该是在咽管的上部—头腔高位形成的，在喉咙和咽部积极打开(而不是撑大)的前提下，将字通过上腭高位向前送出去的。特别记住，发声咬字时，如果撑大了喉咙，就会把字拽到喉咙里，产生喉音;如果不能把声音通过高位送出去，声音就会发闷，失去光泽;如果咬字部位偏低，咬在了口咽或喉咽，就会出现喉咙挤卡现象;如果咬字没有在咽管内形成，就说明喉咙和咽管没有充分打开，声音就会发直，出现白声，所以说，咬字一定要在咽管的上部—头腔高位形成，在喉咙和咽部充分打开(而不是撑大)的前提下，将字通过上腭高位，从面罩两眉间清晰地送出去。

声乐是以人的声带为主，配合口腔、舌头、鼻腔作用于气息，发出的悦耳的、连续性、有节奏的声音。下面是小编为大家提供2017最新声乐演唱技巧教学，望对大家有所帮助。

若想使高音唱得轻松而又明亮干净，气息支持当然是基础，关键是气息的位置，音越高，气息位置越低，以在腰部四周为最佳.很多人在唱高音的时候总有一个通病，气息浮至胸腔，所以气紧，不自觉的伸下巴，所以气不畅顺，唱罢喉咙不可避免的发炎。所以气沉，收下巴是唱高音的基本要求.而音质好坏则取决于自身的生理条件，对音乐的领悟以及正确方法的使用。

口腔是气息流出人体的最后一个关卡，若舌卷或缩，自然会堵住气息的通道，不仅高音上不去，而且气息和舌的.对抗会使你感到越唱越累。舌平以舌尖轻抵下牙齿为最佳.如果已经养成了这个坏习惯，介绍一种方法，在练声的时候含上一颗糖，舌自然不敢卷或动弹，而且能成一种比较自然的状态，一但习惯之后，不再用糖的帮助的时候，你会明显觉得收放自如.不过这个过程很苦，要坚持。

学过声乐的人都知道，正确的歌唱方法并不是用嘴歌唱，而是气息，所谓气息，说得通俗点，就是腰部力量。有的人本身生理条件很好，高音亮而饱满，但很多人都有这样一个问题，为什么唱高音时总会觉得音站不稳，摇摇摆摆，老是不听指挥。就像一个物体能够稳当的摆放在一个地方，必然是因为它有一个支点。而我们的腰部力量就是歌唱的支点。当一个人打呵欠的时候，就是拥有歌唱最佳状态的时候，不仅喉咙完全放开，腰部也有一股力量在腰四周游走，有兴趣者可以多多体会。当然坚持练习仰卧起坐更是一个直接锻炼腰部力量的方法。

一次好的发声不仅需要口腔的本音，更需要颅腔和胸腔的共鸣.泛音产生于颅腔，使音色饱满，胸腔的共鸣则使音色浑厚。高音用得较多的是颅腔的共鸣，中低音则需要很好的胸腔共鸣。一般人都觉得唱歌最难的就是高音，其实不然。

“你能够低到多少，你就能高到多少”，就像拉弹弓，你能够往后拉多少，你就有多少可以爆发的高音力量。当这三个腔体都能互相配合的时候，那就真是如鱼得水，天籁之声。

也许有人会觉得奇怪，发音技巧中怎么会有情?对所有作品的演绎如果没有自己的理解和感情的投入，纵使有再高的技巧也是枉然。因为，歌唱，本来就发源于人对自身情感的表达和释放。从现在的国际歌坛可以看出，最出名的不是音色最好，技巧最高的，而是能够用情用心歌唱的歌手.当然，这也是我们演唱中的致命弱点.一个人如果没有情，怎么能够演绎出作品的真谛。

声乐，是指用人声演唱的音乐形式。声乐演唱头脑共鸣是声乐的一种技巧，今天小编就给大家讲讲怎么学习声乐演唱头脑共鸣技巧。

所谓头腔共鸣是声乐发声的一种方法。头腔共鸣是沿袭了科学知识尚不发达的19世纪的声乐术语，是一种练声方法。头腔共鸣感觉的获得是在口腔共鸣的基础上，把声波在硬腭上的集中反射点稍向后面移动一些，把下胛放下来(好像把上牙床往上提高一些的感觉)，同时，软腭和小舌头也随之上抬，舌根则有放下一些的感觉，使口、鼻、咽腔之间的通道和空间更宽广些，声波沿着上腭传递向鼻咽腔、鼻腔和诸窦，引起声波的回荡。它在发高音(头声区)时为主要的共鸣器官，口腔、咽腔次之，胸腔更次之。

头腔共鸣产生的生理结构位置是在鼻腔上方。窦部各空间有额窦、筛窦等。它们属于固定空间，声波共振是无气息的共鸣。体积小，位置高，这种共鸣色彩明亮，集中而柔和。演唱时要注意打开颌关节，减轻下颌重量，感觉骨室有轻微振动感，眉心处也有微振感，这样歌声就集中明亮了。

头腔共鸣依靠鼻咽腔的咽壁力量与软腭，控制进入鼻腔的声音方向，使声音进入头腔，形成共鸣。这种控制要细心体会，才能取得很好的效果。

还要注意的是，当运用民族唱法唱抒情高音的曲目时，声波只在鼻梁上端的鼻骨处振动即可;如果运用美声唱法演唱大音量的戏剧性的歌曲时，声波需要在鼻梁及周围较大面积的骨面上振动。有经验的`歌唱家们为获得头腔共鸣的感受，常常善于把声音送到头腔中去，认为——是真正的美好的歌唱，而且这种唱法，声音不会疲劳，永远年轻。如果失去了头腔共鸣的支持作用，歌唱的寿命不但会缩短，而且声音是十分不悦耳的。

“哭腔”则是表现忧伤、孤寂的情感的一种演唱方式。一般来说应用于乐句开头和结尾比较广泛，用于起唱和收音。周杰伦的一些比较抒情的歌曲中有应用，效果还不错。

无论在声乐教学中还是在声乐演唱中高音问题的解决都是非常重要的，明晰声乐高音唱法的演唱技巧，对于发展歌唱者的高音具有关键性的作用。下面我们一起谈谈声乐中高音的演唱技巧，希望可以帮助大家!

声乐作品中的高音部分是整个演唱中的声乐技术难点之一。然而这一技术通常是声乐教育者和声乐演唱者既青睐而又感困惑的重要话题。之所以青睐，是因为它富有华丽、明亮、金属般的穿透力的特点，之所以困惑，是因为它同时又富有深奥、复杂、难以科学运用的技术难题。这一技术难题无论在声乐教学中还是在声乐演唱中正确地解决都是非常重要的。明晰声乐中高音唱法科学地运用，对于发展歌唱者的高音具有关键性的作用。笔者根据多年的实践经验，就声乐中高音的演唱技巧谈谈自己的看法。

人的本能是喉咙打开、声带也打开。喉咙关闭、声带也关闭。打开与集中正好是相反的方向。声乐训练中不可能一下子都做到打开与集中的统一。所以学习声乐必须经过打开与集中反反复复的交替训练才能逐渐达到统一与平衡。

可以看出要想发出一个好的声音的前提是必须先“关闭拉紧后端”，因为这是声音响亮的基础。要想发出高音就必须保持住声带后端拉紧情况下的“声带前端振动”，让整个声带都处于高度积极的状态，一点儿也不能松懈。

任何一个人要想发出漂亮的高音就必须拉紧声带，这个过程是“逐渐拉紧”的过程，也就是说声带的变短变薄，这个过程也就是在逐渐换声。我们平时所说的高音的关闭正是这个过程的具体体现，单纯地让母音变形加“u”或其他的母音变形方式都不是根本，有的人的声带根本就没有高度“集中”、“拉紧”的能力，你让他母音怎么变形他也唱不出高音来。而有的人的声带天生就具有这种能力，所以会轻而易举地解决高音。这种“逐渐拉紧”的自我感觉是有一种“窒息感”。这种感觉就叫“紧”，而且唱高音很容易，“芯儿”就是声带拉紧集中的最终结果。

用什么方法来体会声带的拉紧呢?“ei”比较有效，他能让你体会出后端拉紧的感觉，当你能体会到这种拉紧的感觉并能操作自如时，就说明你已经能基本上能控制声带了。当我们发某些音时会感觉到拉不住，这是正常现象，一旦能让所有的音能拉住时，声音才能说是统一了。唱高音时不必理会“母音变形”，只需体会拉紧拉紧再拉紧，如此把声音“集中”到高声区就可以了。

要想自如地控制声带并很好地控制它，首先要做的工作是正确地打开喉咙，因为喉咙打不开，喉咙和声带互相干扰，就根本体会不到这种感觉。

打开喉咙的办法也就是“放下软腭、喉头放下，再打哈欠”。喉咙指的是“舌根到喉头里面这个空间”，打哈欠打开的是这个空间，这是正确的。常见的错误是打开的是软腭和舌根，把舌根和小舌头都上下撑开，结果声音全“窝”在后面。最严重的是这样打哈欠的结果是“喉咙反而关死”。所以基诺贝基大师说开始打开喉咙时不要大张嘴就是这个道理。“放下软腭”能让舌头马上自由灵活，此时的'下巴好像“含着一口水”，这才叫下巴放松。

在这个真正打开喉咙的基础上再去体会声带的拉紧就不会出现副作用，也就可以体会到喉咙和声带各负其责，喉咙只管打开、声带只管拉紧，互不干扰。此时的“ei”的拉紧感觉才会体会到，如果能体会到了，就可以明白声音的集中是怎么回事，就可以明白高音是怎么唱出来的。

在歌唱时要永远感觉到“口腔后面的空间要小于口腔前面的空间”，这是声音“不撑”的前提。这样的声音永远是开放出来的。要做到口腔后面的空间要比前面的空间小，就必须放下软腭，决不能拼命提起软腭，拼命提起软腭只能造成吐字不清，声音往后“窝”。

在歌唱时还要永远感觉到声音就发自声带上，让声带立即振动起来、声音就发自喉咙、让声带歌唱。

好多人避讳谈声带的控制，认为声带不可调、不可控制。如果你咳嗽一下，看看能不能体会到声带关闭的感觉。如果你发一个“ei”看看能不能体会到声带拉紧的感觉。反过来如果你发一个“ao”或“u”看看是不是感觉声带的闭合要比“ei”差得多。如果体会到了，为什么就不能控制声带呢?这也是提高声乐训练的有效途径。那些认为凭着长期的训练就能慢慢的会解决高音的想法是费时费力不讨好的。之所以有些人不必理会声带的拉紧与集中的感觉，那是因为这些人的声带能力比较强，可是大多数人并不是具有这种能力。所以声带的调节就是一种有效的方法，方法是必需的，能力是因人而异的。

歌唱的姿势也很重要，在初级阶段的演唱姿势稍仰头较好，就像芭蕾舞演员一样。基诺贝基让学生练习打开喉咙时有一个办法就是让学生仰头唱“a”。他打开的正是喉腔的底部，也就是真正的喉咙，就是舌根到喉头里面的空间。

那些低头的就不容易打开喉咙。这种姿势在初期阶段要必须保持，等技术成熟后再做各种姿势也不迟，初期绝不能低头。

所以正确的姿势是“挺胸、抬头、收小腹”。“抬头”利于喉咙的打开。“收小腹”是指呼气的过程，在呼气过程中小腹慢慢托起收回。吸气时要鼓出小腹，便于气息吸的更深。吸气时稍仰头、挺起胸膛、鼓出小腹。呼气时继续稍仰头、挺起胸膛，慢慢托起收回小腹。

在ktv大显身手，更能让人锻炼出平坦的腹部，丰满的胸部。

用呼吸控制歌声底气不足，音域不宽，都可以通过学习呼吸技巧来改善。歌唱时的呼吸与日常生活中说话的呼吸不大一样。平时，人们交谈时所需音量较小，气息较浅，不需要很大的力度，而且我们说话时连续用嗓时间长了，嗓音就容易疲劳、嘶哑，这种说话的呼吸若用于唱歌就显得不能胜任了。

唱歌是为了抒发情感，是要唱给别人听的。因而要求声音既要有一定的音量，又要有一定的力度变化，并要求根据歌曲的需要，或长、或短、或强、或弱、或高、或低地有控制地输送气息。因此唱歌时的呼吸作为一种艺术手段，有它自身特有的一套规律和方法，是后天训练出来的。

唱歌时的呼吸运动主要包括三个步骤。

1.吸气：用口、鼻垂直向下吸气，将气吸到肺的底部，注意不可抬肩，吸入气息时使下肋骨附近扩张起来，腹部方面，横膈膜逐渐扩张，使腹部向前及左右两侧膨胀，小腹则要用力收缩，不扩张。背部要挺立，脊柱几乎是不动的，但它的两侧却是可以动的，而且也是必须向下和向左右扩张的，这时气推向两侧与背后并贮在那里，屏住呼吸然后再缓缓将气吐出。

2.吐气：唱歌用气时，仍要保持吸气状态。这点很重要，就好比给自行车打足了气，不能一下子放松了，这里还有一个保持呼吸的问题，要保持住气息，就必须在唱的过程中永远保持吸气的状态，控制住气息徐徐吐出，要节省用气，均匀地吐气，这就是所谓气息的对抗。在呼和吸的过程中，要注意呼吸僵硬的感觉，整个身体表情都应该是积极放松的，紧张的部位就是横膈膜、两肋，两肋就像是一只充足的气球一样，我们要让声音坐在上面，往下拉，不能让气球往上浮起来，也就是说要把气息拉住，不能让它提上来。

3.唱歌时要有气息支持点：支持点也就是声音要有一个立足的地方，这个立足点也就是以横膈膜及下肋两侧做支持点，当我们咳嗽或笑的时候，可以直接感觉到它的支持作用。没有经过呼吸训练的人，唱歌时常常脸红脖子粗的，青筋直暴，歌声僵直，高音上不去，低音下不来，都是与气息支持点没有保持住有关。反之，我们掌握了呼吸方法，有了支持点的感觉，那么，歌唱发声时，便会感到声音仿佛落在我们所控制的气息上，也就是说声音是由呼吸来支持了，这种声音不但悦耳响亮，而且能强弱自如地做出各种变化来。

总之，在声乐歌唱中，拉紧声带是唱好高音的关键，正确的歌唱姿势是唱好高音的基础，发高音时我们得有呼吸的基础，利用正确的呼吸法唱出高音也是不可忽视的，只有很好地把上述几方面的演唱技巧有机结合起来，声乐演唱中才能更好地发挥高音水平。

声乐按音域的高低和音色的差异，可以分为女高音、女中音、女低音和男高音、男中音、男低音。下面小编来给大家分享声乐高音演唱技巧，希望对大家有帮助!

你听过雨夜盲女的哀曲吧?也听过快乐的男女山歌对唱吧?这些人从未受过声乐训练，但他们的歌声同样令你感动，因为他们完全发挥了自然的歌唱本能。包括呼吸、发声、共鸣等一切都逃不出自然的条件，都是根据自然而产生的。遗憾的是，我们却往往比摒弃这种自然的条件，而去苦苦找寻一些“捷径”、“秘诀”，那是很可悲的事。

歌唱家在歌唱时，喉头的作用虽属自动，但心力可左右它。在歌唱时，喉头的动作完全是自发的，歌唱家歌唱时，想唱什么音，声带张力与振荡次数就会完全与思想吻合。发声时当然还要用横膈膜、腹肌、肋骨、喉舌等的力量。一个初生的婴儿，根本不知道这些事，却能把那些力量用得很好，当他哭的时候，哭得很伤心;他笑时，又会发出悦耳的音调。由此证明，人生来就有一种天赋的能力，能够自由自在地并带有表情地使用我们的嗓子。

我们做任何一种运动，比如推铅球，一定要先有举得起铅球的力量。练武术的人为了增加手脚的力量，先练挑水，手脚有了力量后，才可以在舞大刀时不至于脱手飞了出去。

我们先由下喊起，半音上去，#f2，g2,#g2为止，五个音一组。开始不要喊得太多，因为一上来你的`呼吸和歌唱姿势未必对，要边唱边纠正，等各方面配合好了，不妨多喊一些。等#g2喊好了，a2是另外一种呼吸方式。我们知道唱高音时要把气息用高压的方式压上去，实际上在这时要用到腰部的气，用腰部的气喊好了a2后，再用同样的气喊bb2.

一般来说，唱高音声部的人高音是天生的，只是我们从来不去用它罢了。一个女孩子从未受过声乐训练，一般只能唱到f2，但当她突然碰到一件恐怖的事情时，她会情不自禁地尖叫，而这一声叫，可能达到hignc以上的f3，但平时无论如何她也不会发出这么高的音来。所以不要有顾虑，要大胆地喊出高音来，多喊是有好处的。

我们如果也有机会碰见一件十分令人吃惊的事而失声尖叫，我们一定要记住那个喊叫的姿势，再拿来唱高音，那就对了。

唱高音不同于唱低音，是将气压成一条细线，冲击声带。当横膈膜的力量已经用到顶点，而无法加压时，就必须用腰力。肺叶比肺尖大，也即是下面比上面大，上面的肺尖被肋骨所限制，不能再扩大，我们可以利用肺叶由最下面的肋骨向外扩张。用腰力，是先用手插腰(这时不必注意腹肌，在吸气时它自然地会起作用)，把气吸到腰的四周，感觉到前后腰部膨胀起来，然后把气闭起来(张大口)，用力把腰及肋骨向里一收，胸部向上一挺，你会感觉到压力压住了上颚，这就是用腰力的方法。

前面讲过，f2--#g2我们的用腹肌的收缩来增加压力，到了a2就用腰力，到了bb2时，因为只需要少量的气(但是要高压力的气)，只要将上唇照打呵欠的样子张开就行了，要露出少许上面的牙齿，舌尖平放在牙齿上，就能唱出bb2了。由bb2以上，到high c 以上的音，方法与bb2一样。

这里再举一个例子说明用腰部的力唱高音。

用腰部的力唱高音，等于将一个长形的气球充满气后，用手将下半部一捏那上半部就胀满起来，这好比是横膈膜已上升到顶点，不能再上升。我们将腰部吸满了气，然后整个腰部及下面张开的肋骨向内一收，胸部挺出，就好象用手捏气球的作用一样，产生了一股强烈、上升的气流，而这正是我们唱高音所需要的。

从前学唱歌的时候，当唱到高音，就要close!当时真是“如入五里雾中”。而这个字，中国至今还有人在用。由于对close真正含义搞不清，不知道害了多少男高音，也糟蹋了许多好的声音。

我对close的理解是：关闭下面的共鸣箱，打开上面的共鸣箱。我们唱高音时需要头腔共鸣，那就是提高软盖。我们开上唇，目的是提高软盖，同时还要用腰力来顶开软盖。至于今天国内有人用“掩盖”这个名词，我认为比较好，它的意思是高音不可太白，要多少有点掩盖，就好象上面有一只碗，复盖着高音一样。

我曾经向许多老师求教对close的解释问题，但都得不到结果。后来去到意大利，请教了一位老师，回答是：我们意大利从未说过这个字。试问：“关闭”了怎样唱歌?至于今天我们用“掩盖”代替“关闭”结实close，那是很明智的。当我们唱高音时，我们的上颚上提，软口盖升高)打呵欠状)气压向上挤，聚到上面，形成一个象教堂那样的圆顶空间，也就是要让气体充满这个空间，这样，才会发出漂亮的高音。如果上面不打开，空气上不去，哪里还有高音呢?所以，用“掩盖”也表示了声音向上集中的意思。我们可以再作一个试验来找到这种感觉：当我们打呵欠的时候，会感觉到上颚部分有凉飕飕的感觉(平常感觉不到)，那就是上面有了一个空间，气息也进去了。

当我们练到bb2时，应该说已经突破了高音的困难，可以很容易地唱到b2,c3,#c3,d3了，因为唱这几个音的方法与唱bb2的方法并无大的分别。唱bb2时喉咙已开得比较小了，因为嘴越是张大喉咙越小，所以，不用害怕更高的音，所需要的是急速的气来支持高音，而急速的气，是靠平时刻苦的气息练习得来的 。

如果用双手举起一副石担，我们的脚是向下踩的，土地是起向上托起的作用，我们的手向上推，而石担又是向下压。于是，这里就有了四个方向的力，脚和地面产生了一种对抗，手和石担又产生了对抗。我们人的身体等于气柱，小腹和声带是气息的两个支点。气息往上走被声带挡住，这里也有“力”的对抗问题。那么，在歌唱时小腹的支点有无变化?如果有变化是向上，还是向下?关于这个问题是有争论的。

我们再看打气筒原理，活塞柄不断向上推，活塞也随之渐渐上去以保持筒身的压力，气息则从筒口喷。如果将气筒打气原理比作人体的歌唱活动，即是说，横膈膜和声带的距离越来越短，所以支点也逐渐改变位置。